PROYECTO IMAGINARIO
Latinoamérica

PI Latinoamérica es un ciclo anual de estudios a distancia para fotógrafxs y artistas visuales.

Proyecto Imaginario es un programa de formación avanzado para fotógrafxs y artistas visuales. Desde 2015 en Buenos Aires, Argentina se han realizado ocho ediciones en las que participaron más de 120 fotógrafxs y artistas de otras disciplinas.

Dada la repercusión y trascendencia que tuvo el desarrollo del programa PI Argentina, en 2018 nace PI Latinoamérica, plataforma a distancia, para ampliar la convocatoria a nivel continental, habilitando así la posibilidad de enriquecer el intercambio entre artistas de distintas latitudes.

PI Latinoamérica se basa en el seguimiento en profundidad de la obra de cada artista. Proponemos un ámbito de intercambio permanente que enriquezca la producción con miradas diversas y refuerce el análisis y la conceptualización del trabajo de cada participante.

PI Latinoamérica aborda la vinculación entre artista, obra y público y brinda las herramientas necesarias para potenciar este diálogo. El programa busca también fortalecer la gestión y circulación de obra, acercando un panorama actual del mercado del arte.

Para lograr estos objetivos, a lo largo de nuestro programa, destacados docentes de la fotografía y las artes visuales trabajarán en formato de clínica con cada proyecto para potenciar la obra desde múltiples perspectivas y dictarán seminarios y talleres específicos.

Modalidad

Proyecto Imaginario - Latinoamérica está estructurado en dos bloques de clases que corren en paralelo durante todo el año: las clínicas de obra y los talleres y seminarios que buscan apoyar la clínica desde múltiples aspectos y brindar herramientas de autogestión.

El ciclo a distancia tendrá la modalidad de aula virtual y las clases se darán con el docente en vivo. Todas las clases quedarán grabadas para aquellos alumnos que no hayan podido concurrir o deseen volver a verlas.

El ciclo tiene una carga de 152 hs. Las clases se realizan los días lunes de 19 a 21hs. y jueves de 19 a 21.00hs. (hora Argentina).



CLÍNICA DE OBRA

Con cada uno de los docentes de clínica los participantes tendrán la oportunidad de revisar en profundidad su trabajo, discutir metodologías, referencias, posibles abordajes para las siguientes etapas del proyecto, opciones de materialización y compartir dudas. Es la actividad más intensa del ciclo y la más enriquecedora para cada autor y para el grupo.

Los docentes a cargo de las clínicas serán Lorena Fernández, Fernando Montiel Klint, Ignacio Iasparra, Cecilia Lutufyan e Ivana Salfity.


SEMINARIOS Y TALLERES

Cada uno de los seminarios y talleres están pensados para fortalecer la reflexión sobre la obra de cada participante y brindar herramientas que permitan autogestionar la producción de cada autor. Los previstos para 2019-2020 son:

La fotografía en las prácticas artísticas contemporáneas+
Diego Guerra

El propósito del seminario es reflexionar sobre algunos aspectos clave de la fotografía y su lugar en el arte contemporáneo dentro y fuera de la Argentina, a partir de una serie de temas de amplio alcance que se tomarán como ejes conductores. Lejos de tratarse de un curso organizado cronológicamente ni cerrado en torno a una sucesión de movimientos artísticos o biografías de autores, el seminario nos invita a la reflexión crítica en torno a las obras, la apropiación del discurso teórico y la construcción de un punto de vista propio sobre las imágenes y sus circunstancias de producción y circulación.

El texto de la obra+
Silvia Gurfein

Presentación escrita del propio trabajo. Conceptualización de obra a través de la palabra como herramienta. Ejercicios de entrenamiento para encontrar las palabras: Escribir, editar, reescribir. Volver a escribir, ejercitar, soltar.

Curso y discurso+
Gonzalo Golpe

A partir de tres ejes sustentadores: el lenguaje, la poética y la narrativa visual, realizaremos un ejercicio de síntesis personal que tiene como objetivo el cuestionamiento del sistema de la fotografía de autor/a y de sus fundamentos.

A partir del formato libro, carta de presentación y principio de orden de la fotografía contemporánea, pero también el soporte que más capacidad muestra para tensionar el llamado “lenguaje fotográfico”, el docente irá componiendo una suerte de soliloquio a partir de una visión holística que se alimenta tanto de su experiencia profesional como profesor, editor y comisario como de su devenir autoral y de su sistema de creencias y valores.

Contexto contemporánea+
Fabiana Barreda

Nuestra producción en el contexto del arte contemporáneo. Cuál es nuestro marco de referencia, nuestras prácticas afines. Qué otros artistas de disciplines diversas utilizan dispositivos similares.

Edición y publicación+
Eugenia Rodeyro - Magdalena Pardo

Pensar la edición como una fábrica de ideas: Fabricar un libro. Conocer a los actores de un equipo editorial: autor, editor, redactor, traductor, corrector de estilo, retocador, armador, prologuista, productor gráfico, diseñador gráfico. Taller de cuatro meses de duración en donde se trabajará en en el desarrollo de una publicación específica de la edición 2015 de Proyecto Imaginario. Cada autor podrá intervenir en cada una de las etapas del proyecto editorial. Abordaremos diversos aspectos de la dirección de arte del proyecto trabajando con la DG en vivo. Brindaremos herramientas fundamentales para publicar un libro.

Cronografías – El cine desde una mirada fotográfica+
Karin Idelson - Ignacio Masllorens

Tomando como referencia esta afirmación de Jean-Luc Godard que asegura que el cine es una herencia de la fotografía, proponemos un taller sobre la práctica audiovisual desde una perspectiva fotográfica.

A través de clases teórico-prácticas veremos historias, acercamientos y abordajes posibles de la representación del mundo contemporáneo mediante cámaras de video, rastreando las complicidades entre la fotografía, el video y el cine. También analizaremos obras de cineastas que provienen de la fotografía o cuyos estilos están fuertemente emparentados con la imagen fija.

Pedagogías de la mirada+
Andrea Jösch

El seminario pretende abrir una discusión sobre la relevancia de las imágenes en las formas de comunicación y formación, así como de las prácticas y metodologías de investigación desde la propia creación artística.

Espacios de circulación+
María Lightowler

Este módulo propone herramientas para sistematizar y organizar estrategias de difusión y circulación de obra, según los objetivos de cada artista. El cambio de paradigma en el circuito y campo artístico actual, exige mayor participación y profesionalismo de los artistas, que actúan como los propios gestores culturales de su producción.

Taller de autoayuda para la escritura práctica+
María Paula Zacharías

Escritura descriptivo-poética. Hablar en términos concretos y específicos de la propia obra. Qué hacer ante un micrófono. Autobiografía. Ensayos para una versión multiuso. Gacetilla o post sobre una muestra. Cómo comunicar lo que se hace. Redes. ¿Sí? ¿No? ¿Cómo? ¿Para qué? Llenar formularios: aplicaciones, solicitudes, subsidios y otros suplicios para lograr residencias y concursos.

De la fotografía a lo performático+
Mariela Sancari

PROYECTO IMAGINARO + CENTRO DE LA IMAGEN

Centro de la Imagen

El Seminario de Producción Fotográfica (SPF) del Centro de la Imagen de México y Proyecto Imaginario en sus programas 2019-2020 sumarán fuerzas trabajando en conjunto con la intención de compartir y expandir la reflexión y experiencia tanto de los participantes como de los docentes de ambos proyectos.

Desde 2004 en Centro de la Imagen en la Ciudad de México imparte el Seminario de Producción Fotográfica (SPF), programa de seis meses de duración.
Más información sobre el Centro de la Imagen



VISITAS DE ARTISTAS

A lo largo del año recibiremos visitas de destacados curadores y artistas de diversas disciplinas que compartirán con nosotros su obra y sus procesos de producción. En ediciones anteriores nos visitaron Claudi Carreras, Ana Gallardo, Mariela Sancari, Rosana Schoijett, Esteban Pastorino, Juan Lo Bianco y Matías Giuliani.

SEGUIMIENTO DE LOS PROYECTOS

Durante todo el ciclo, proponemos un seguimiento sobre los trabajos de lxs autorxs. Tanto para sus series fotográficas como para sus proyectos de publicación o exposición. Por ello es que abriremos instancias de trabajo grupales e individuales. Estos encuentros serán coordinados por Valentina Siniego, Martín Estol y María Elena Méndez.

Proyecto Imaginario

Docentes

Lorena Fernández+

Lorena Fernández

(Resistencia, Chaco, 1974)

Artista visual y docente de cine y fotografía. Realiza también ediciones y curadurías de fotografía contemporánea.

Egresada de la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica. Realizó talleres y clínicas de arte contemporáneo y de fotografía, como también de jardinería, joyería, poesía y cerámica. Desde el 2008, año en que recibió el Premio Ernesto Catena de Fotografía Contemporánea, su obra pudo verse en muestras individuales (Centro Cultural Recoleta, Espacio Kamm, Casa Florida Galería, Espacio Forest, Galería Foster Catena), numerosas muestras colectivas, festivales, premios y ferias de arte.

Es representada por Miranda Bosch Gallery.

Silvia Gurfein+

Silvia Gurfein

(Buenos Aires, 1959)

Artista multidisciplinaria es autodidacta en pintura. Inicialmente estudió filosofía y antes de participar de la escena de las artes visuales recorrió diversas disciplinas artísticas, como el teatro, la danza y la música, trabajando y formándose con Vivi Tellas, Rubén Szuchmacher y Ana Itelman. Participó de las clínicas de Tulio de Sagastizábal. Entre 2001 y 2008 fue docente en el Posgrado de la F.A.D.U/UBA. En 2010 crea El texto de la obra, taller de escritura para artistas, que dicta en diversas instituciones en la Argentina y Brasil, como Universidad Di Tella, Centro de Investigaciones Artísticas, b_arco Sao Paulo y de modo privado. Obtuvo becas como la del Fondo Nacional de las Artes e Intercampos y premios como el 1er premio Klemm, Igualdad Cultural y otros. Participó de la residencia internacional URRA y la residencia San Martin. Aunque su obra se despliega en diversos soportes y medios, sus investigaciones se manifiestan frecuentemente en la pintura. Trabaja con las ruinas: los restos del naufragio del sentido. Una excavación de sentido doble: hacia adentro de la pintura y en su propia historia. Concibe formatos para poner en escena una búsqueda.: ¿dónde se constituye la imagen, dónde se localiza? ¿Por qué se pinta sobre tela? ¿Por qué se concibió para que ésta actúe como un espejo, para devolver la imagen y no se deje atravesar? Pone en escena ese entramado de tiempos que construyen nuestro presente con los fantasmas de los tiempos que ya no están.

Expuso individualmente en Fundación Klemm, Centro Cultural Recoleta, Casa Triangulo (Sao Paulo, Brasil) y ZavaletaLab entre otros espacios. En colaboración con Guillermo Faivovich y Javier Villa Aguardamos conexión en Diagonal Espacio, Buenos Aires.

Participó en numerosas colectivas, entre ellas 2014 El teatro de la Pintura / Museo de Arte Moderno de Buenos Aires MAMBA / Horizonte plegado / C.C. Conti, Buenos Aires 2013 Algunos Artistas 90 / hoy / Fundación PROA, Buenos Aires, Argentina / PintorAs Galería Magda Bellotti, Madrid, España 2012 / Geométricos Hoy-Caminos en expansión (Colección MACBA Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires) Museo Caraffa, Córdoba, Centro Cultural del Bicentenario, Santiago del Estero 2010 PintorAs MACRO Museo de Arte Contemporáneo de Rosario, Argentina 2009 Beloved Structure: the Argentine Legacy Galería Alejandra Von Hartz, Miami, Estados Unidos / Rigor y estructura Fondo Nacional de las Artes/ Porqué Pintura Fondo Nacional de las Artes 2007 La espiral de Moebius o los límites de la pintura Centro Cultural Parque de España/AECI, Rosario, Argentina 2006 Pintura Subyacente Centro Cultural de España en Buenos Aires / 2005 2D Centro Cultural Parque de España, Rosario/ Incorporaciones recientes. Primer Módulo MACRO, Rosario Argentina 2004 Contemporáneo 11 2003 Et toutes elles réinventent le monde 19 Centre Regional dArt Contemporain, Montbeliard, Francia / Gurfein Maculán Museo de Arte Contemporáneo Bahía Blanca 2002 Gurfein Masvernat Bertone Centro Cultural Rojas.

Diego Guerra+

Diego Guerra

(Buenos Aires, 1976)

Es Doctor en Historia del Arte por la UBA y en Español por la Université Rennes 2.

Su campo de investigación es la historia de la fotografía en la Argentina y sus vínculos con la cultura de masas y el campo artístico durante el siglo XX. Se desempeña como docente en la FADU (UBA), la Universidad de Palermo y el ISFA Manuel Belgrano y coordinó el ciclo Fotocharlas en el Centro Cultural Recoleta.

Los avances de sus investigaciones fueron publicados en revistas científicas, actas de congresos internacionales y capítulos de libros.

Fabiana Barreda+

Fabiana Barreda

(Buenos Aires, 1967)

Fotógrafa y performer, curadora y crítica de arte. Egresada de la Facultad de Psicología de la UBA, institución de la que dirige la Galería de Arte. Es Profesora de Psicología del Arte en la Universidad Nacional de Tres de Febrero y de Arte Contemporáneo en el Instituto Universitario de Arte. Dicta seminarios en las carreras de Diseño de Indumentaria, Psicología y Arquitectura de la UBA.

Participa de exposiciones colectivas en Argentina y el exterior desde 1992. Hace su primera muestra individual en 1996 y desde 1998 trabaja en el Proyecto hábitat, que sigue desarrollando hasta el presente. Alrededor de este tema realiza desde el año 2000 una serie de performances y videos.

En 1998 edita el libro La Ciudad Subterránea, ensayo fotográfico con textos de Marc Augé, Clorindo Testa, Marcelo Pacheco y Jorge López Anaya y en 2001 realiza una publicación alternativa titulada Manifiesto Proyecto Habitat.

Entre las distinciones que recibe figuran: en 1993 una Mención por Objeto en la Bienal Arte Joven de Buenos Aires; en 1996 la Beca para perfeccionarse en el Taller de Barracas otorgada por la Fundación Antorchas; en 1999 la Beca Salzburg Seminar del Schloss Leopolskrom, Austria y el Premio al Fotógrafo del Año de la Asociación Argentina de Críticos de Arte; en 2000 el Premio Leonardo del Museo de Bellas Artes al Fotógrafo del Año; el Segundo Premio Fotografía en el Premio Fundación Klemm, la Mención en el Salón de Creatividad del Fondo Nacional de las Artes; en 2001 la Beca del Fondo Nacional de las Artes, la Mención Honorífica del Premio Banco Nación y el Segundo Premio Salón de Fotografía del Museo Castagnino; en 2002 la Beca subsidio a la Creación de la Fundación Antorchas y el Diploma al Mérito en Artes Visuales-Instalación otorgado por la Fundación Konex.

Su obra es seleccionada para la VII Bienal de La Habana (2000) y para la Bienal de Arquitectura de Rotterdam Holanda (2003).

Está representada en las colecciones del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires, de la Fundación Arte BA, de la New York University y del Museo Castagnino de Rosario.

Gonzalo Golpe+

Gonzalo Golpe

(Madrid, 1975)

Editor independiente y profesor.

Licenciado en Filología Hispánica y diplomado en Edición y Publicación de Textos por la Universidad de Deusto. Especialista en autoedición y producción gráfica.

Desde 2014 forma parte de La Troupe, un colectivo de profesionales de las artes gráficas dedicado al trabajo de autor, tanto en su vertiente editorial como expositiva.

Su labor como editor ha sido distinguida en dos ocasiones con el Premio Nacional a la Mejor Edición de Libro de Arte por Ramdon Series de Miguel Ángel Tornero, RM, 2014 y Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris, 1875-1918 de Javier Viver, RM, 2015. También cabría destacar el premio Aperture ParisPhoto Photobook Award con “Karma” de Óscar Monzón, RVB Books+Dalpine, 2103, libro en el que colaboró como coordinador de producción.

Mariela Sancari+

Mariela Sancari

(Buenos Aires, 1976)

Vive y trabaja en la Ciudad de México desde 1997.

Su trabajo gira en torno a la identidad, la memoria y la veracidad y la ficción en las imágenes. Examina las relaciones personales, la delgada y esquiva línea que separa los recuerdos de la ficción y el tenue valor de la imagen como documento real o afectivo. Utiliza narrativas personales para explorar los límites del alcance de la fotografía como medio de representación. Su obra refiere tanto la dimensión afectiva –aunque no sentimental– del trabajo autobiográfico, así como exploraciones formales del medio, a través de cuestionamientos relacionados a la puesta en escena, la autorreferencialidad en la práctica fotográfica y sus mecanismos de significación.

Ha recibido numerosos reconocimientos: Ganadora de la VI Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán 2013 y del Premio Descubrimientos PHotoEspaña 2014. Su trabajo fue seleccionado en la XVI Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen y recibió Mención Honorífica en la XI Bienal Monterrey FEMSA, con su serie Moisés, entre otros.

Su primer libro Moisés fue seleccionado por varios curadores y especialistas como Sean OHagan, Tim Clark, Erik Kessels, Jörg Colberg, Larissa Leclair, Yumi Goto and Colin Pantall como uno de los mejores fotolibros del 2015. En 2017 publicó su segundo libro en colaboración con el escritor Adolfo Córdova: Mr. & Dr., un fotolibro dirigido a niños y jóvenes que explora la noción de lo desconocido a través de imágenes y texto. Es coordinadora de FOLIO, programa en torno al fotolibro del Centro de la Imagen.

Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en la Ciudad de México y en el extranjero en ciudades como Nueva York, Madrid, Barcelona, Buenos Aires, Ciudad de Guatemala, Sao Paulo, Fort Collins, Houston, Busan (Corea) y Cork (Irlanda).

Ignacio Iasparra+

Ignacio Iasparra

(25 de Mayo, Pcia. De Buenos Aires, 1973)

Curso estudios de fotografía y arte contemporáneo .Desde 1996 expone sus fotografías .Ha participado en muestras colectivas e individuales en Argentina y en el exterior.Sus trabajos han sido publicados en diferentes catálogos de fotografía contemporánea, la revista BIG Buenos Aires, los libros Rutas y Caminos, Nueva Fotografía Latinoamericana II, Fotografía Poética, Arte Contemporáneo Argentino Artista x Artista, Poéticas Contemporáneas Fondo Nacional de las Artes.

Ha participado como realizador de video en la obra de Danza Video: Mi rio es algo con plumas. Junto con Verónica Jordan y Viviana Iasparra.

Director y Realizador de la película Sinuosos y dorados Medanos junto con Guillermo Ueno , Bruno Stecconi , Marianela Portillo y Nicolas Dominguez Bedini.

Su obra integra la colección del Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MANBA), Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires (MALBA) ; museo MACRO de Rosario, Argentina ; Colección Statoil , Noruega y diferentes colecciones privadas.

Cecilia Lutufyan+

Cecilia Lutufyan

(Buenos Aires, 1973).

Se graduó como Licenciada en Ciencias de la Comunicación en la UBA (1998). Fue premiada con una beca para realizar el Master PhotoEspaña en Madrid (2015-2016). Se formó en los talleres y clínicas de Tulio de Sagastizábal, Adriana Lestido, Julieta Escardó y Juan Travnik; realizó workshops con Juan Canela, Antonio Ballester Moreno, Nicolás Paris, Clare Strand, Paul Seawright, Noe Sendas, Anders Petersen, Luis González Palma, Silvia Gurfein, Humberto Rivas.

En 2018, fue seleccionada para los talleres en residencia curados por Phillipe Cyroulnik en Marco Arte Foco, Buenos Aires, Argentina. En 2017 fue premiada en los Encuentros de Arte Contemporáneo de Alicante, España; fue finalista del Premio Itaú, del premio Nexofoto y del Salón Nacional de Artes Visuales de Junín. Fue invitada a participar del Festival Tranzisioni en Bergamo, Milán y Bologna (Italia) y recibió una beca para participar de la residencia CAN SERRAT en Cataluña. Su dossier de artista fue elegido para ser publicado en CirculoA, plataforma de Arte Iberoamericano, en Fototazo y en Luz del Norte (plataforma de difusión de fotografía latinoamericana). Quedó seleccionada en el 5to y 4to PREMIO AAMEC de Fotografía Contemporánea en 2016 y 2014. Su fotolibro Criaturas fue premiado con el premio publicación en el marco de la Bienal de Fotografía de Lima en 2011.

Sus trabajos fueron exhibidos en Argentina, Uruguay, Paraguay, Brasil, España e Italia.

Andrea Jösch+

Andrea Jösch

(Arica, Chile, 1973)

Fotógrafa, Magíster en Gestión Cultural Universidad de Chile.

Es coordinadora de investigación y creación en la Facultad de Arte Universidad Finis Terrae y coordinadora académica del Magíster en Investigación y Creación Fotográfica de la misma institución. Editora en jefe y fundadora revista sudamericana de fotografía Sueño de la Razón (2009); coeditora de la revista Ojozurdo, fotografía y política (2017).

Curadora de proyectos artísticos en torno a las imágenes, como la muestra Caprichos: Imágenes Rebeldes de Mauricio Toro Goya (MNBA Santiago, Museo Histórico González Videla, La Serena, CDF Montevideo); Caballero Solo de Marcelo Montecino (Corpartes, Santiago); Lo común de Luis Weinstein (curatoría comunitaria, Museo Histórico González Videla); entre otros.

Trabajo de acompañamiento editorial como El sueño sudamericano de Cristian Ochoa; Mapa: Marcas en el Paisaje y Réplica Original de Nicolás Sáez; Bailarines del Desierto de Andrés Figueroa; El Eje de Javier Godoy; entre otros.

Ha participado en diferentes coloquios, seminarios, talleres, comités editoriales, tanto a nivel nacional como internacional.

Ivana Salfity+

Ivana Salfity

(Salta, Argentina, 1976)

Estudió Fotografía en la Escuela Argentina de Fotografía y cursó materias de la Licenciatura en Artes en la Universidad de Buenos Aires. Participó de la Clínica de obra para artistas visuales dirigida por Tulio de Sagastizábal. Realizó cursos y talleres con Adriana Lestido, Alberto Goldenstein, Silvia Gurfein, Luis González Palma, Javier Valhonrat, Nicolás París, Antonio Ballester Moreno, Juan Canela.

En 2018 obtuvo una mención de honor en el VI Premio ArtexArte. Fue seleccionada en el visionado Descubrimientos PHE 2015. En 2014 fue finalista en el 4to Premio AAMEC. Durante 2012 fue seleccionada para participar de PAC, proyecto impulsado por Gachi Prieto Gallery. Durante 2009 obtuvo la Beca Entrecampos Regional, organizada por AECID, Embajada de España; en 2003 la Beca de la Fundación Antorchas para los Encuentros de Análisis y Producción en Salta.

Fue seleccionada por Panal361 para participar de ARTErra, Portugal, en 2016. Participó de la residencia Nido Errante, edición Meliquina, Argentina, en 2015 y de ArtFunkl Artist Residency, Manchester, UK en 2013.

Fernando Montiel Klint+

Fernando Montiel Klint

(Ciudad de México, 1978)

Estudió fotografía en la Escuela Activa de Fotografía y Centro de la Imagen.

Su obra forma parte de colecciones como el Museo de Arte de Guangdong, en China; Kenyérgyár Siofok 320 Hungría, Museum of photographic arts San Diego, MOPA Museo de Arte Contemporáneo, Chile, Maison Européenne de la Photographie (Libro de artista), Francia, BanRegio, México, Nave K, España, Museo de Arte Moderno de Aguascalientes, México, Pinacoteca de Concepción, Chile, La colección Wittliff Texas State University, Colección Televisa, BanRegio, México.

Recientemente obtuvo el 1 lugar, premio de adquisición en el Tercer concurso de fotografía contemporánea México y participo en la Bienal de Photoquai en el museo Quai Branly, Paris, Francia, 2015, Dong Gang Photo Festival, Corea 2016.

Su trabajo se ha mostrado de manera individual, entre los que destácan: Les Recontres dÁrles 2011, Francia, en la Galería Chile Arte Chile 2014, en Ra Gallery, Kiev, Ukraine 2012, Actos de Fe en PH 11, España 2011, No Escape en el San Antonio Museum of Art, U.S.A 2010, Fotoencuentros 08, España 2008, Nirvana en el Museo Archivo de la Fotografía, México2008, Nirvana en Cero Galería, Bogotá, Colombia 2008 and Nirvana, Fototeca Nacional México 2007, Tiempos Modernos en el Centro de la Imagen, 2007 en exposiciones colectivas entre las que destácan ; Point Counterpoint MOPA 2017, Develate and Detonate MInt Museum,Charlotte 2017, Ouroboros a Mexican Cycle, Pingyao China, curada por Alasdair Foster 2014, Develar y Detonar, Fotografía Mexicana, ca,España y México, 2015, A Process, Galeria Höhmannhaus en Augsburg, Germany 2015, Posible Worlds en el Art Museum of theAmericas, 45 Mexican Photographers Hubei Art Museum, China, 2008, TheCase of the 45 Mexican Photographers en el Guandong Museum of Art, China 2007, entre otras. Recibio el apoyo de Jovenes Creadores, Fonca 2005 y Fonca Coinversiones,México 2006, El premio de adquisición 1 lugar en 3 Concurso de fotografía Contemporánea México 2017, el premio Omnilife, primer lugar en el concurso organizado por ID magazine con el periódico Reforma, México, premio de adquisición en XXII Encuentro Nacional de Arte Joven México, Mexico y una Mención honorífica en el XXXIII Encuentro Nacional de Arte Joven México; Fotografia en el cortometraje de animación La Última Cena. 2015.

Ha impartido talleres en Arabia Saudita, Colombia, Ecuador, Argentina, Chile, México, ahora es co-director Klint and Photo (www.klintandphoto.com). Actualmente es tutor del FONCA y Miembro del Sistema Nacional de Creadores

Karin Idelson+

Karin Idelson

Su trabajo abarca tanto la fotografía como el video, desarrollados para instalaciones, videos mono y multicanal, films, obras sonoras y performances en vivo. Se ha presentado en numerosas galerías, museos, teatros, instituciones y festivales nacionales e internacionales como Chapter Arts Centre de Cardiff, Festival International de Cinéma de Marsella, Festival Internacional de Cine de Valdivia, International Dance Online Short Film Festival (IDILL), Festival TransAmériques de Montréal, Festival Futurs en Seine de París, Festival Internacional de Vídeo & Dança de Río de Janeiro, Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires, entre otros. Desarrolló distintos trabajos fotográficos que expuso en el MamBA, Centro Cultural Recoleta, Fundación Telefónica, Fotogalería del Teatro San Martín, Fondo Nacional de las Artes, entre otros. Su obra fotográfica forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Bs As y de distintas colecciones privadas.

Desde hace quince años se dedica a la docencia de forma pública y privada. Desde el año 2012 a la actualidad es profesora adjunta de la materia “Taller de tesis”, de la orientación Dirección de fotografía en la carrera de Artes Audiovisuales de la Universidad Nacional de la Plata. Previamente se desempeñó cinco años como docente de la material Diseño Audiovisual I (Profesor adjunto Gabriel Valansi), cátedra Carlos Trilnick - Luis Campos en la carrera de Imagen y Sonido (UBA).

También desde el año 2007 al 2011 formó parte del staff de profesores de la escuela Estudio Urbano del Gobierno de Bs As, donde impartió talleres de fotografía y rock.

Eugenia Rodeyro+

Eugenia Rodeyro

Estudió Administración de Empresas en la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad de Buenos Aires (UBA). Allí dictó clases de marketing y fue asistente del reconocido licenciado Alberto Levy. Realizó el posgrado de Clusters Organizacionales en la Facultad de Psicología (UBA); el posgrado de Formación Docente Continua en la Facultad de Ciencias Económicas (UBA); y el curso de posgrado Transformación Organizacional en escenarios de alta complejidad (Lo estratégico y lo psicosocial).

Desde el 2003 formó parte del equipo de gestión de Espacio Ecléctico Asociación Civil, una ONG conformada en un espacio de artes que constituye un punto de albergue y difusión de producciones de artistas del medio local (Buenos Aires), nacional (Argentina) e internacional en el campo de las Artes Plásticas, Escénicas y Dramaturgia, entre otros. AllÍ desarrollo su expertise como fundraiser y en el campo de la gestión cultural realizó producciones internacionales, intercambios artísticos con instituciones pares, festivales, publicaciones periódicas y co-producciones. Entre ellas, durante 13 años fue la productora ejecutiva de la Feria de Libros de Fotos de Autor, un evento que, año tras año, reúne a los fotógrafos más destacados de la ciudad e invita a participar de la feria a proyectos internacionales vinculados con la fotografía.

Es Directora Editorial y co-fundadora de La Luminosa, la primera editorial en Argentina que produce libros de fotografía en cuidadas ediciones numeradas y firmadas adecuadas a la demanda de cada título. La Luminosa se ha especializado en publicaciones de alto valor artístico, atendiendo a las producciones más recientes de fotógrafos consagrados y emergentes.

Ignacio Masllorens+

Ignacio Masllorens

Es egresado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la UBA. Realizó los films Martin Blaszko III (2011), Hábitat (2013) y El teorema de Santiago (2015) así como varios telefilms, cortometrajes y obras en video como The girl from Downtown (2014), Trainspotter (2017, Primer premio concurso de Artes Audiovisuales del FNA) y Las imágenes y las cosas (2018, Segundo premio 107º Salón Nacional de Artes Visuales). Actualmente se encuentra filmando los largometrajes Atlas -codirigido con Guadalupe Gaona- y Fanny Camina, junto a Alfredo Arias. Su obra ha sido exhibida en diversos festivales, museos y centros como BAFICI, Anthology Film Archives, VIENNALE, Festival Oodaaq, ArcoMadrid International Contemporary Art Fair, Fundación Klemm, Fundación Andreani, Festival Biarritz Amérique Latine, Festival de Cine de Mar del Plata, Galería Belleza y Felicidad, BIM, Interfilm, L’Alternativa, Festival de Cine Latinoamericano de La Habana, MALBA, MAMBA, Centro Cultural Rojas y Centro Cultural Recoleta entre varios otros.

Como docente ha dictado cursos y charlas en la Universidad del Cine (FUC), Universidad Nacional del Litoral (UNC), Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo (FADU) de la Universidad de Buenos Aires, Museo del Libro y de la Lengua de Buenos Aires, Corporación Universitaria UNITEC y en Escuela Nacional de Cine (Bogotá).

Nirvana Paz+

Nirvana Paz

(Ciudad de México, 1976)

Artista visual, egresada de la Universidad Veracruzana y actualmente cursando la maestría en filosofía por el Colegio de saberes, Ciudad de México.

Ha participado en exposiciones individuales y colectivas en México y el extranjero.

Ha recibido numerosos reconocimientos y becas entre las que destacan: Ganadora del concurso Cuerpo y Fruta, por la Embajada de Francia en México, Primer lugar IV salón de fotografía contemporánea, Guadalajara, Jalisco, Mención honorífica por la III Bienal de Puebla y VI Bienal de Yucatán. Su obra fue premiada también, en Komopa Japón en su programa de adquisiciones.

Para desarrollar su trabajo ha sido apoyada por Casa Encendida de Madrid, España, Museo Miniccelli en Argentina, Trakl Hause, Austria, Galería Noox México entre otras. Su obra poética y visual ha sido publicada en antologías y libros individuales por: Editorial Tierra Adentro, libro de poesía “procesiones”. Fotografía: “7 dioptrías”, Edit. Artes de México, “Desierto mar” Edit. Letritas del Changarrito. “Gemutlich” Trkl Hause y Gobierno Austriaco y el más reciente “La corte” Edit. Gato Negro.

Su obra pertenece a variadas colecciones publicas y privadas, las mas sobresalientes son: Biblioteca Nacional de Francia, Centro Portugués de la Fotografía, Alumnos 47 y Centro de la Imagen.

Actualmente coordina el área educativa del Centro de la Imagen.

Magdalena Pardo+

Magdalena Pardo

(Buenos Aires, 1982)

Egresada de la carrera Diseño de Imagen y Sonido de la UBA y mágister en guión de cine en la Universidad Autónoma de Barcelona. Realizó cortometrajes que participaron en festivales nacionales e internacionales como el Festival Internacional de Mar del Plata, y dirigió un largometraje declarado de interés cultural de la ciudad de Mar del Plata. Asistió a talleres de fotografía dictados por Guillermo Ueno, Alberto Goldestein, Julieta Escardó, Julie Weisz y Palmer Davis en el ICP de Nueva York. Su trabajo fotográfico fue publicado en varios libros y sitios de divulgación artística argentinos y del exterior. Participó de la 8va Feria de Fotolibros de Autor con un libro destacado y de diversas exposiciones colectivas, entre ellas: "Espacios Íntimos" en Casa Florida, Vicente López; "Todavía lo mismo y siempre lo mismo" en Galería Yapeyú, Bs.As; "Before all else" Urban Picnic Gallery, Essex, Reino Unido; "30 under 30" Women Photographers en Photoboite.com; "Agua Viva" en el museo Quinquela Martín, Casa Thays, y la Casona de los Olivera; BAPhoto 2014 Centro Cultural Recoleta.

Durante más de diez años trabajó como diseñadora para agencias de comunicación y prensa argentinas y durante tres años fue la encargada del área de diseño de un estudio londinense. Realizó trabajos tanto para marcas de primera línea como para proyectos de artistas y particulares.

Actualmente transita las distintas disciplinas que pertenecen al lenguaje de la imagen, combinando lo visual con lo narrativo, la poesía y el ensayo filosófico.

María Paula Zacharías+

María Paula Zacharías

Graduada con honores de la Licenciatura en Periodismo en la Universidad del Salvador y ex profesora de esa casa, obtuvo la Diplomatura en Gestión Cultural en IDAES-UNSAM y prepara su tesis de la Maestría en Historia del Arte Argentino y Latinoamericano. Es colaboradora permanente de La Nación, donde escribe sobre artes visuales desde 2004, y de la revista Clase Ejecutiva de El Cronista. En Radio Cultura, conduce el programa de artes visuales ¿Por qué son tan geniales? con Fernando García.

María Lightowler+

María Lightowler

(Buenos Aires, 1979)

Estudió en la Universidad del Museo Social Argentino –UMSA-, obteniendo el título de Licenciada en Museología en 2004. Simultáneamente asistió a la Escuela Nacional de Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón –ENBAPP-, egresando con el título de Profesora Nacional con especialización en Pintura en 2004.

Trabajó en varios museos de la Ciudad de Buenos Aires y del interior del país, como Malba - Fundación Costantini, en el Área de Registro y Documentación, en el Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires –MACBA-, estuvo a cargo de la Producción de Exposiciones y Editorial, y fue curadora de la exposición inaugural del Museo de Arte Marino de Ushuaia (ex presidio), donde también estructuró el archivo curatorial y de actividades de la institución.

Desarrolló tareas de coordinación y gestión en galerías de arte contemporáneo, como Juana de Arco y Bacano, entre otras.

Fue profesora en el Centro Cultural Ricardo Rojas (UBA) entre 2008 y 2012. Actualmente dicta clases en la UMSA donde es Titular de las materias ´Comunicación y Prácticas de la Exhibición I´ y "Comunicación y Prácticas de la Exhibición II", de la Licenciatura en Curaduría e Historia del Arte y Adjunta en la materia ´Pedagogía y Didáctica de Museos´ de la Licenciatura en Museología y Gestión del Patrimonio. En la Universidad Argentina de la Empresa –UADE- dicta las materias ´Problemas del Arte Contemporáneo", de la Licenciatura en Gestión de Arte en CABA. ´Historia del arte y del Diseño´, ´Iniciación a la comprensión del arte contemporáneo´, ´Introducción a las tendencias estéticas del consumo´ y ´Estética´, en la sede que la universidad posee en Pinamar. Además, ejerce la docencia en otros centros privados y grupos particulares de estudio.

Fundó en 2009 y coordinó hasta 2013, Central de Proyectos, una productora de contenidos culturales y plataforma para la difusión y gestión del arte contemporáneo argentino, que tuvo su sede física y sala de exposiciones en el Patio del Liceo, participando en dos ediciones consecutivas de la feria arteBA.

Como responsable del Área de Producción de exposiciones y editorial del Museo de Arte Contemporáneo de Buenos Aires (MACBA), durante 2013, trabajó en las siguientes exposiciones: "Manuel Espinosa. Geometría en movimiento". Curaduría Ayelén Vázquez; "Kazuya Sakai. El espíritu de la música". Curaduría: Rodrigo Alonso; "Percezione e Illusione: arte cinetica italiana". Curaduría: Micol Di Veroli, Giovanni Granzotto.

En la actualidad coordina las actividades de "Lluvia Oficina de Curaduría y Museología" además de ejercer la docencia y exhibir su obra regularmente participando en exposiciones colectivas y realizando exhibiciones individuales desde 2004.

En 2015 obtuvo el Premio a la Excelencia Académica de UADE.

Es desde 2016 Coordinadora de la Escuela de Arte para Niños de la Fundación Esteban Lisa.

Vive y trabaja en Buenos Aires.

Valentina Siniego Benenati+

Valentina Siniego Benenati

(Ciudad de México, 1978)

Fotógrafa por la Escuela de Fotografía y Centro de Imagen, EFTI (Madrid, España) y Etnohistoriadora por la Escuela Nacional de Antropología e Historia, ENAH (Ciudad de México, México).

Ha sido becaria del programa FONCA-Jóvenes Creadores, México, en dos ocasiones (2006-2007 y 2010-2011) y FORD Foundation, The Institute of International Educaton (2018).

En 2014 contó con Residencias Artísticas- The Banff Centre- (Canadá)- FONCA (México). Formó parte del programa de residencias artísticas Wabi Sabi, en el Tigre, Argentina. (octubre 2017).

Ha participado en diferentes exposiciones colectivas e individuales en México y el extranjero.

Fue directora y diseñó el programa académico de Casa Coyoacán, Fundación Pedro Meyer entre abril 2012 y agosto 2013.

Entre 2013 y 2015 trabajó en ARTICLE19 oficina para México y Centroamérica en el Programa de Libertad de Expresión, coordinó el Programa de capacitación –cursos presenciales y en línea – cursos de protección para periodistas y periodistas audiovisuales en zonas de riesgo. Realizó, como directora y coguionista, el documental interactivo ESTADO DE CENSURA, documental web sobre la violencia que sufre la prensa en México (2015).

Desde 2016 a la fecha ha trabajado en diferentes proyectos como artista visual, curadora o muesógrafa como parte del Colectivo PISO16.

Actualmente vive y trabaja como docente y artista visual en Buenos Aires, Argentina.

María Elena Méndez+

María Elena Méndez

(Buenos Aires)

Egresada de la UBA como Fonoaudióloga, desarrolló programas de arte (música y fotografía) para niños hipoacúsicos educados en la oralidad, como terapias de estimulación sensorial.

Formada en fotografía y arte contemporáneo en distintos talleres y seminarios, entre los que se destacan la Clínica de Fotografía Contemporánea dictada por Julieta Escardó, Fabiana Barreda y los talleres de Adriana Lestido.

Ha realizado dos exposiciones individuales y participado en numerosas muestras colectivas. Quedó seleccionada en el Salón Nacional de Fotografía 2014.

El libro de fotografía de su autoría "El río en mi" fue publicado por la editorial La Luminosa en 2015, después de haber quedado finalista del premio Felifa.

Dirige desde 2011 Casa Florida Galería, espacio dedicado a la fotografía contemporánea.

Desde 2015 creó y co-dirige Proyecto Imaginario, un espacio de formación para fotógrafos y artistas visuales que trabajan con la fotografía.

Martín Estol+

Martín Estol

(Buenos Aires, 1973)

Fotógrafo y docente. Se formó con Filiberto Mugnani, Alberto Goldenstein y Adriana Lestido.

En 2019 y 2004 fue becado por el Fondo Nacional de las Artes.

Expuso en forma individual y colectiva en Argentina y en el exterior. Sus trabajos fueron publicados por Ediciones Larivière y Editorial La Luminosa.

Desde 2015 co-dirige el ciclo de estudios para artistas visuales Proyecto Imaginario.

Proyecto Imaginario