PI.MOV
CINE Y VIDEO

PI.MOV de formación y trabajo en cine llevado adelante por gente apasionada dentro de esta disciplina. Reconocidxs artistas, cineastas y videastas llevan adelante este programa educativo intensivo.

Está destinado a personas que provengan de las artes visuales, audiovisuales, la fotografía, la dramaturgia, la escritura, la investigación y todxs aquellxs interesadxs en aprender, experimentar y profundizar en el cine y el video desde distintos ángulos.

PI.MOV se organiza en dos modalidades: INPUT / OUTPUT.

INPUT | Es un ciclo anual orientado a quienes quieran aprender y experimentar a través de múltiples talleres prácticos, con ejercicios semanales.

OUTPUT | Es un ciclo anual orientado a quienes tengan un plan de película, documental, video, instalación o investigación en marcha.

Cualquiera de estas dos cursadas se desarrollará en un encuentro de cuatro horas por semana. Se podrá optar por hacer el ciclo anual completo (INPUT y/o OUTPUT) o anotarse en talleres individuales según el interés de cada participante.

Creemos en una mirada autoral que se construye desde el entrenamiento de la observación y la práctica. En una forma de trabajo cercana, donde podemos dirigir, operar, editar o tomar el sonido de los propios trabajos. Sin campos cercados y con un horizonte amplio donde las disciplinas se cruzan, las miradas se amplían y la vida se enriquece.



Proyecto Imaginario

Programa 2019-2020

INPUT

Es un ciclo anual orientado a quienes quieran aprender y experimentar a través de múltiples talleres, con ejercicios prácticos semanales . Para eso convocamos a un equipo de cineastas con trayectoria artística y docente a pensar el cine y ponerlo en práctica desde miradas complejas, ambiguas, pero sobre todo experimentales.

La delgada línea llamada verdad+
Nele Wohlatz

En el taller nos preguntamos que sucede cuando otras personas actúan frente a nuestras cámaras, personas que no son actores profesionales, pero que se convierten en actores en nuestra presencia. Observamos el degradé entre documental y ficción. Exploramos diferentes maneras de acercarse al trabajo con los no-actores a través de ejercicios prácticos y ejemplos del cine actual y del siglo 20. También reflexionamos sobre nuestro rol como directores en este fragil equilibrio, damos lugar a cuestiones sobre la ética, buscamos el azar, y cultivamos la duda.

Taller de montaje. Construir lo real+
Alejo Hoijman

En toda filmación, cada encuadre implica el descarte de otros infinitos posibles; en toda isla de edición, cada corte implica hacer visibles ciertos fotogramas y hacer desaparecer otros. Toda película nace de este juego de ida y vuelta entre una voluntad de mostrar y otra de ocultar. A partir de ejemplos y experimentos, en este taller nos haremos preguntas acerca de qué tipos de relaciones pueden o podrían establecerse entre el cine y lo real a partir del montaje.

La pregunta+
Tomás Dotta

La pregunta es, ante todo, un espacio para la inquietud. Para reformular lo que muchas veces parece obvio, para desentramar en esa obviedad un conjunto de significados y comprenderlos desde otro lugar. Cuatro encuentros con cuatro preguntas necesarias en la esfera del cine documental: el cine, el autor, los demás y la verdad. A partir de la discusión de obras fundamentales que recuperan estos temas y los debaten, desarrollaremos ejercicios para encontrar las respuestas, que no serán sino encuentros propios de cada realizador.

Taller del Clima+
Julián D’angolillo

Somos accesorios del clima, sometidos a sus trastornos en el hábitat y los estados de ánimo aceptamos cada contingencia que despedaza nuestra agenda de prioridades. Por más algoritmo estadístico que nos obliguen a leer los oráculos meteorológicos, no existirá jamás un diagnóstico global para la singularidad de cada sitio del área metropolitana y sus poblaciones. En cuatro encuentros, el Taller del Clima procurará ensayar una respuesta audiovisual a la corriente integradora de los ambientes urbanos, proponiendo la pluralidad de atmósferas.

Encender la noche+
Karin Idelson - Iván Fund

Los sueños son eso de lo que uno despierta.
Raymond Carver.

Empecé en la sombra y sin duda terminaré igual. Pero en algún punto, entre el comienzo y el fin habría que hacer un intento por explicar la oscuridad aunque solo sea para mí mismo, por muy extraña que sea la forma de la explicación y sin tener en cuenta las consecuencias.
Don de Lillo.

Este es un taller donde aprenderemos a apagar las luces para poder iluminar. Un espacio donde pensar las sombras. Vamos a transitar la oscuridad como una calle de doble sentido: un carril donde se registran y comprenden los misterios del mundo y otro donde se desenvuelve la potencia de los impulsos y de la propia imaginación. La noche que nos rodea y la noche interior. Si pensamos como vemos, ¿qué sucede con lo que no es visible, con aquello nebuloso, sin contornos?

Sabemos que la iluminación artificial hace tolerable la noche. Pero colonizar la oscuridad, ¿resuelve sus misterios, o por el contrario, la convierte en una imagen pasteurizada? Pensaremos cómo aborda el cine ese mundo que habitamos cuando cae el sol y trabajaremos para poder "encender" la noche.

Formas del Found Footage+
Diego Trerotola

Aunque en sus inicios fue una práctica de vanguardia, el found footage tiene una vigencia no solo gracias a la expansiva cultura digital sino porque la industria lo convirtió en un subgénero. Esa vigencia hace necesaria y posible la reflexión y la práctica de apropiación de películas ajenas para reconfigurarlas, a veces casi sin intervención, otras veces destruyendo las formas originales usadas en el metraje encontrado. En casi cien años se fueron gestando distintas tendencias del found footage que hoy son posibilidades a la hora de repensar todo lo que siempre definió al cine en general: el montaje, la creación a partir de imágenes, los registros como memoria y su relación con la historia, el problema de los géneros, el conflicto entre contenido y forma audiovisual, el copyright y el dominio público, entre otros. Es que cada película del found footage permite un movimiento múltiple del pensamiento y de la mirada, provocando que se pueda ir a las raíces del cine tanto como vislumbrar sus brotes futuros.

En el taller se analizarán ejemplos de las distintas tendencias y se harán ejercicios de found footage.

Diarios de viaje y dispositivos de registro+
Ivo Aichenbaum - Agustina Pérez Rial

El observador ansioso recoge muestras
y no tiene tiempo para reflexionar
sobre los medios utilizados
Del comentario de Reassemblage (1982)
Trinh T. Min-ha, minuto 32.

Este taller es un contexto de reflexión y producción de piezas audiovisuales concebidas como diarios de viaje. Las impresiones de un itinerario son plausibles de ser registradas en cuadernos, grabadoras de sonido, cámaras fotográficas o video. En los encuentros se plantea revisar estos materiales, debatir sobre su estatuto (documental/ficcional), y su potencia como espacio de creación estética. Con recursos al alcance de la mano y guiados por una dinámica práctica y analítica, realizaremos ejercicios de escritura, edición y filmación, además de clases teóricas y revisión de referentes.

Mil Palabras+
Fernando Krapp

En este curso abordaremos distintas técnicas de escritura relacionadas con la construcción de una mirada. Para ello, se leerán textos teóricos y ensayos, pero también diarios personales, notas de viajes, crónicas, semblanzas, perfiles y poesía, en un curso que propone la cruza de géneros; entre el periodismo narrativo y la antropología, entre la literatura y el ensayo, entre la no-ficción y la poesía objetivista. Con técnicas básicas como la descripción, la entrevista y el uso del grabador moderno, se tratará de abrir, con la escritura propia y ajena, las posibilidades de pensar la imagen para ponerla en movimiento. La escritura como un modo de construir una mirada. La mirada como un modo de operar sobre el imaginario de lo real.

La historia del ruido+
Francisco Pedemonte

Lo invisible ha sido desde siempre una fuente de misterios. Muchas veces se trata de enigmas sonoros: voces provenientes de islas lejanas, sirenas, criaturas que se materializan en la niebla, fenómenos reveladores y alucinatorios. Este taller analiza e interpreta representaciones de los fenómenos acústicos; las cavernas, las profundidades del mar, lo místico y sus sonidos desde la antigüedad hasta la aparición de las máquinas y la amplificación del sonido, con el foco puesto en la forma de representarlas desde el cine, la literatura y las artes.

La imagen justa+
Karin Idelson - Ignacio Masllorens

Detrás del objetivo de la cámara siempre hay un ojo que elige qué mostrar y qué omitir, que siempre opera activamente, que encuadra. Este taller está dedicado a la reflexión y al trabajo en torno a esa unidad básica del lenguaje cinematográfico: el plano o encuadre.

¿Cuál es la imagen justa? ¿Qué voluntad y acción nos lleva a poner la vista frente a ese objeto específico y no otro? Dialogaremos con la obra de cineastas y realizaremos trabajos prácticos que nos lleven a descubrir y detenernos a observar nuestra propia mirada, concentrándonos en el espacio, el sonido, el fuera de campo y el manejo del tiempo.

Modos de producir+
Laura Citarella

Así como John Berger habla en sus episodios de la BBC sobre otros modos de ver y piensa algunos ejemplos históricos, poniéndolos en crisis, desde la contemporaneidad, este encuentro se propone un intercambio parecido, apuntando concretamente a algunos ejemplos de la historia del cine y a los films que se hacen en la actualidad (incluídos los trabajo en proceso dentro del propio taller). La ideas es pensar y reflexionar sobre las maneras de producir y cómo éstas inciden directamente en las imágenes que terminaremos logrando. Así, esta conversación, que hermana a los problemas de producción y a sus posibles soluciones estéticas, tiene como objetivo final pensar las maneras en que se puede hacer el cine en la actualidad.

El montaje como escritura, el rodaje como reescritura+
Hernán Rosselli

Muchas de las prácticas que naturalizamos como esenciales en cine son en realidad la metafísica de una necesidad material que con la aparición del video y la edición digital ya no existe.

A través de la revisión de una serie de películas, textos y ejercicios prácticos comprobaremos que es lo que sucede cuando son las imágenes y los sonidos capturados por los cineastas los que determinan la narración y los temas que atraviesan una película.

El video como actitud+
Leticia Obeid

Cuando la definición de video parece ya imposible de atarse a especificaciones técnicas, tecnológicas, de lenguaje, uso o recepción, es necesario preguntarnos por qué la seguimos usando. El video es omnipresente en nuestras vidas pero, como producto artístico, mantiene ciertas articulaciones específicas con el cine, la televisión y la instalación espacial propia de lo que hoy se llama artes visuales.

El taller buscará abordar la complejidad de este objeto, acercando ejemplos históricos y contemporáneos que muestren la multiplicidad de usos y recursos que se siguen asociando al video. Leeremos algunos textos teóricos, miraremos materiales clásicos y otros más raros y en cada encuentro destinaremos un tiempo a conversar sobre las producciones de cada participante o sus intenciones de trabajo. La idea es que sea un espacio de observación, reflexión e inspiración.

VISITAS DE ARTISTAS

A lo largo del año recibiremos visitas de destacadxs artistas y profesionales de distintas disciplinas. De esta manera, cineastas, artistas visuales, fotógrafxs pero también historiadorxs, físicxs, escritorxs o filósofxs, entre otrxs, compartirán su experiencia ampliando e interpelando los temas que se abordan en el espacio de cada taller.

Proyecto Imaginario

Docentes

Karin Idelson+

Karin Idelson

Su trabajo abarca tanto la fotografía como el video, desarrollados para instalaciones, videos mono y multicanal, films, obras sonoras y performances en vivo. Se ha presentado en numerosas galerías, museos, teatros, instituciones y festivales nacionales e internacionales como Chapter Arts Centre de Cardiff, Festival International de Cinéma de Marsella, Festival Internacional de Cine de Valdivia, International Dance Online Short Film Festival (IDILL), Festival TransAmériques de Montréal, Festival Futurs en Seine de París, Festival Internacional de Vídeo & Dança de Río de Janeiro, Festival Internacional de Cine Independiente de Buenos Aires, entre otros. Desarrolló distintos trabajos fotográficos que expuso en el MamBA, Centro Cultural Recoleta, Fundación Telefónica, Fotogalería del Teatro San Martín, Fondo Nacional de las Artes, entre otros. Su obra fotográfica forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Moderno de Bs As y de distintas colecciones privadas.

Desde hace quince años se dedica a la docencia de forma pública y privada. Desde el año 2012 a la actualidad es profesora adjunta de la materia “Taller de tesis”, de la orientación Dirección de fotografía en la carrera de Artes Audiovisuales de la Universidad Nacional de la Plata. Previamente se desempeñó cinco años como docente de la material Diseño Audiovisual I (Profesor adjunto Gabriel Valansi), cátedra Carlos Trilnick - Luis Campos en la carrera de Imagen y Sonido (UBA).

También desde el año 2007 al 2011 formó parte del staff de profesores de la escuela Estudio Urbano del Gobierno de Bs As, donde impartió talleres de fotografía y rock.

Ignacio Masllorens+

Ignacio Masllorens

Es egresado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido de la UBA. Su obra explora los márgenes del género documental a partir del registro observacional, el found-footage y el cine experimental. Sus películas han sido exhibidas en festivales, museos y espacios no tradicionales como VIENNALE, Anthology Film Archives, BAFICI, L’Oeil d’Oodaaq, Interfilm, L’Alternativa, Festival de Cine de La Habana, Festival Biarritz Amérique Latine, Festival de Cine de Mar del Plata, Bienal de la Imagen en Movimiento, Festival de Cine de Ourense, Fondo Nacional de las Artes, Galería Belleza y Felicidad, MALBA, Museo de Arte Moderno de Buenos Aires (MAMBA) Museo Emilio Caraffa (MEC), Centro Cultural Rojas y Centro Cultural Recoleta entre varios otros.

Desde el 2009 es programador del Festival Internacional de Cine Independiente de Villa de Leyva (Colombia).

Desde hace dos años coordina una Clínica para Proyectos Documentales junto a Tomás Dotta. También ha dictado dos talleres de cine experimental en el Museo del Libro de la Lengua titulados Topografías (sobre la relación entre cine y espacio) y Arquelogías (dedicado al metraje encontrado).

Laura Citarella+

Laura Citarella

Se graduó como directora cinematográfica en la Universidad del Cine (FUC). Desde 2005 forma parte de la productora El Pampero Cine junto con Mariano Llinás, Alejo Moguillansky y Agustín Mendilaharzu. En 2007 realizó el cortometraje Tres juntos (ganador del concurso Historias Breves 5 organizado por el INCAA). En 2010 dirigió el largometraje Ostende, estrenado en el BAFICI, donde obtuvo una mención especial de la Asociación de Cronistas Argentinos. En 2015 realizó - en co-dirección con Verónica Llinás- La Mujer de los Perros, que participó de la 2015 Tiger Award Competition del Festival de Cine de Rotterdam y tuvo un largo recorrido por festivales internacionales. Actualmente se encuentra filmando su tercer largometraje como directora, titulado Trenque Lauquen. Además produjo, entre otros, los films Historias Extraordinarias (2008) y La Flor (2018) de Mariano Llinás.

Agustina Pérez Rial+

Agustina Pérez Rial

Licenciada en Ciencias de la Comunicación (FSOC - UBA), diploma en Gestión Cultural (IDAES - UNSAM) y magister en Análisis del Discurso (FFyL - UBA). Es coeditora del libro Tránsitos de la mirada. Mujeres que hacen cine en Argentina (2014). En el año 2017 participó del Programa de Cine de la Universidad Torcutao Di Tella con su proyecto de largometraje documental Danubio.

Fernando Krapp+

Fernando Krapp

Estudió la carrera de Letras (FFyL – UBA) y Guión Cinematográfico en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC). Como guionista, colaboró con directores como Manuel Abramovich, Pedro Barandiaran, Javier Zevallos y Francisco D´Eufemia, entre otros. Es colaborador permanente de RADAR y RADAR Libros, los suplementos dominicales del diario Página/12. Publicó el libro de cuentos Bailando con los Osos. Dirigió los documentales Beatriz Portinari, un documental sobre Aurora Venturini (2013) y El Volcán Adorado (2017). En el año 2016 fundó, junto a Germán Sarsotti y Pedro Barandiaran, la productora de documentales Bosque Cine. Obtuvo el premio Argentores y una beca de Fondo Nacional de las Artes para desarrollar su próximo largometraje. Para marzo del 2019 prepara un libro de crónicas sobre la comunidad japonesa que la editorial Tusquets publicará en la colección Mirada Crónica dirigida por Leila Guerriero.

Ivo Aichenbaum+

Ivo Aichenbaum

Es egresado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido (FADU - UBA). Realizó los largometrajes La parte automática (2012) y Cabeza de ratón (2013). Desde 2010 expone obras en video, fotografía e instalaciones en galerías, espacios autogestionados y museos. Recibió distintas becas en artes visuales y participó del Programa de Artistas 2012 de la Universidad Torcuato Di Tella.

Alejo Hoijman+

Alejo Hoijman

Realizó los largometrajes El ojo del tiburón (2012), Unidad 25 (2008) y Dinero hecho en casa (2004). Fue socio fundador y primer presidente de ADN Asociación de Directores y Productores de Cine Documental Independiente de Argentina. Ha sido jurado de vía documental en el INCAA y de la Sección Derechos Humanos del BAFICI entre otros fondos y festivales.

Hernán Rosselli+

Hernán Rosselli

Estudió en el CIEVYC donde se especializó en guión y realización y en 2002, ingresó a la ENERC, donde se especializó en montaje. Además estudió Filosofía y música. Trabajó como montajista en documental y ficción.

Creador y editor de la publicación de cine Las Naves.

En 2014 estrena Mauro en la Competencia Internacional del BAFICI, donde gana el Fipresci (premio internacional de la crítica) y el Premio Especial del Jurado.

Participó en el Festival Internazionale di Roma, Viennale, Festival des Tres continentes de Nantes, Rotterdam International Film Festival, Munich International Film Festival.

En abril del 2018 estrenó Casa del Teatro en la competencia oficial del BAFICI.

Actualmente colabora como escritor para la publicación semestral Revista de Cine, dirigida por Rafael Fillipeli y trabaja en su tercer largometraje.

Nele Wohlatz+

Nele Wohlatz

Se mudó en 2009 a Buenos Aires donde realizó los cortometrajes La mochila perfecta y Tres oraciones sobre la Argentina y la codirección Ricardo Bär (2013). Sus películas fueron exhibidas en festivales como Viennale, Rotterdam, Locarno, FIDMarseille y Oberhausen. Su primer largometraje dirigido en solitario, El futuro perfecto (2016), fue exhibido en más de 60 festivales internacionales y ganó numerosos premios como el de la mejor ópera prima en el Festival de Cine de Locarno.

Diego Trerotola+

Diego Trerotola

Periodista, docente, programador. Desde 1995 ha escrito en más de 20 medios, es co-autor de la compilación Cine encontrado: ¿qué es y adónde va el found footage?, y sus textos se incluyeron en más de quince libros compilatorios de Argentina, Corea del sur, España y Polonia. Escribe en el suplemento Soy del diario Página/12 desde 2008. Como programador trabajó en el Festival de Mar del Plata y en Bafici, y realizó curadurías para España, Austria y EE. UU. Actualmente es director de Asterisco Festival Internacional de Cine LGTBIQ. Sus cortos fueron proyectados en muestras y festivales de Argentina, España, Paraguay y Estados Unidos.

Leticia Obeid+

Leticia Obeid

Vive y trabaja en Buenos Aires. Se graduó en la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba en 2001, como Licenciada en Pintura. Obtuvo una beca de la Fundación Antorchas para perfeccionamiento en el área de video en 2003 y desde entonces su producción ha girado en torno a la imagen en movimiento.

Ha expuesto su obra en numerosas exhibiciones y proyecciones colectivas en Argentina y el exterior, entre ellas: los premios Petrobrás-ArteBA (2006) , Klemm (2012), Braque (2013), la 6º BIENAL DEL MERCOSUR, Porto Alegre (2007), de la 54º BIENAL DE VENECIA (2011), el festival de cortos de Oberhausen en 2016, El taller de la resurrección, videoperformance, Museo Reina Sofía, España.

Publicó las novelas Frente, perfil y llanura, (2013) y Preparación para el amor (2015) en la Editorial Caballo Negro, Córdoba y el libro monográfico Leticia Obeid. Escribir, leer, escuchar, Blatt & Ríos, 2015.

Tomás Dotta+

Tomás Dotta

Licenciado en Artes (FFyL - UBA) y Maestrando en Políticas Públicas (FD – Universidad Austral). Participó en proyectos de investigación y fue adscripto de la cátedra de Análisis y Crítica de Películas (Artes, FFyL, UBA); es además egresado de la carrera de Realización de Cine y TV en el CIC. Entre 2011 y 2018 trabajó como Director de Programación de Kino Palais, espacio de Artes Audiovisuales del Palais de Glace (Ministerio de Cultura de la Nación). Programó y fue jurado en varios festivales internacionales y en la Bienal de Arte Joven 2017 (GCBA). Dirigió varios cortos, produjo y coguionó​ Ensayo de despedida (2016), ópera prima de Macarena Albalustri​ y​ ​t​ambién coguionó ​la película ​Vendrán lluvias suaves (2018) ​de ​Iván Fund​, que obtuvo el premio especial del jurado de la Competencia Internacional en el 33º Festival de cine de Mar del Plata.

Iván Fund+

Iván Fund

Realizó los largometrajes La risa (2009), Los labios (2010, codirigido con Santiago Loza), Hoy no tuve miedo (2011), Me perdí hace una semana (2012), AB (2013) y Toublanc (2017). Sus películas han participado de festivales como Cannes, Rotterdam, Viena, BFI Londres, Busan, BAFICI, La Habana, Mar del Plata y Nantes, entre otros, recibiendo diversas distinciones. Además de dirigir sus propios proyectos, trabaja como productor, director de fotografía y montajista. Actualmente está presentando su nueva película Vendrán lluvias suaves (2018, premio especial del jurado de la Competencia Internacional en el 33º Festival de cine de Mar del Plata).

Julián D’angolillo +

Julián D’angolillo

Licenciado en Artes Visuales (UNA) y Dramaturgia (EAD). Realizó los largometrajes Hacerme feriante (2010, Selección Oficial BAFICI, Premio Sur Mejor Documental y Premio Especial del Jurado FIDOCS entre otros) y Cuerpo de letra (2015, Viennale, Ficunam, Transcinema y Forum.doc entre otros). Entre sus obras en video se cuentan Suite Matanzas (2002), Condominio (2003) y Autosocorro (2014). Obtiene el Premio Lucio Fontana 2014, la residencia de video en la Cité Internationale des Arts de París en 2008, el Premio Elena Poggi de la Asociación Argentina de Críticos de Arte y el Premio Ricardo Rojas al Mejor Ensayo por su libro La desplaza, biogeografía del Parque Rivadavia. De las obras site specific se destacan la videoinstalación Dirección de paseos en el Jardín Botánico de Buenos Aires, y el emplazamiento Antrópolis en el marco de la feria estatal Tecnópolis. Expuso sus obras en diversos espacios como Pastificio Cerere (Roma), Onomatopee (Eindhoven), Kunstraum Kreuzberg/Bethanien (Berlin), Maison Rouge (Paris), Kunstverein (Wolfsburg), UCSD Art Gallery (San Diego), Ig Bildende Kunst (Vienna), 98 weeks (Beirut), CCCB (Barcelona), Museo de Antioquia (Medellín), 1era Bienal Fin del Mundo (Ushuaia) y Malba (Buenos Aires) entre otros.

Francisco Pedemonte+

Francisco Pedemonte

Egresó como guionista cinematográfico de la Universidad del Cine (FUC) y como Licenciado en Arte y Tecnología de la Universidad Nacional de Quilmes. En 2012 participó del Laboratorio de Cine de la Universidad Torcuato Di Tella, al mando de Andrés Di Tella y Martín Rejtman. Actualmente es docente de sonido en la Universidad del Cine (FUC) y la Escuela de Cine de la Universidad Nacional de Tucumán. Como sonidista o en las diferentes secciones del área de sonido participó en decenas de producciones nacionales e internacionales como Vísperas (Daniela Goggi, 2006), Tetro (Francis Ford Coppola, 2008), El Pasante (Clara Picasso, 2009), La mirada invisible (Diego Lerman, 2010), Villegas (Gonzalo Tobal, 2012), Ricardo Bär (Gerardo Naumann y Nele Wohlatz, 2013), Victoria (Juan Villegas, 2015), Casi leyendas (Gabriel Nesci, 2017), El motoarrebatador (Agustín Toscano, 2018) y Familia Sumergida (María Alché, 2018).

Pablo Marín+

Pablo Marín

Crítico, cineasta y profesor. Dirigió la colección de libros de cine de la editorial El cuenco de plata y trabajó como asistente editorial en Caja Negra Editora. Tradujo los libros Por un arte de la visión: escritos esenciales de Stan Brakhage (Eduntref, 2014), Escritos sobre cine norteamericano, de J. Hoberman (El cuenco de plata, 2016) y Fluxus escrito (Caja Negra Editora, 2019), entre otros. Como investigador y curador independiente, presentó programas de cine argentino en Estados Unidos, Canadá, España, Austria, Finlandia e integró el equipo de investigadores del proyecto ISMO ISMO ISMO: Cine experimental latinoamericano, de la Getty Foundation. Becario del Fondo Nacional de las Artes, sus textos han aparecido en libros y revistas nacionales e internacionales, y actualmente prepara un volumen sobre el cine experimental argentino. Sus películas fueron proyectadas y premiadas en festivales y museos internacionales. Desde 2014, coordina el archivo audiovisual de la Biblioteca Nacional Mariano Moreno.

Proyecto Imaginario