Programa de artes visuales/fotografía
Edición 2024-2025

Ciclo de estudios a distancia de 17 meses de duración para fotógrafxs y artistas visuales vinculados con la fotografía.

Un espacio basado en el seguimiento en profundidad de la obra de cada artista. Proponemos un ámbito de intercambio permanente que enriquezca la producción con miradas diversas y refuerce el análisis y la conceptualización del trabajo de cada participante.

El programa aborda la vinculación entre artista, obra y público y brinda las herramientas necesarias para enriquecer este diálogo.

Para lograr estos objetivos destacadxs docentes de la fotografía y las artes visuales trabajarán en formato de clínica con cada proyecto para potenciar la obra desde múltiples perspectivas y dictarán seminarios y talleres específicos.

Desde 2015, se relizaron 18 ediciones del programa en las que participaron más de 400 fotógrafxs y artistas.

Artistas seleccionados

En esta convocatoria, atendiendo a la calidad de las aplicaciones recibidas, hemos decidido otorgar una serie de becas parciales además de las becas previstas.

  • Dana Valentina Gutiérrez Báez - Beca Argentina
  • Desyree Vanessa Valdiviezo Palacios - Beca Latinoamérica
  • Lilibeth Hernández Castro - Beca México

  • Aida Lucía Castillo Lagos - Beca parcial
  • María Alejandra Delgado Uría - Beca parcial
  • Chris Tigra - Beca parcial
  • Aranza Hernández Gómez - Beca parcial
  • Jimena Sánchez Soto - Beca parcial
  • Natalia Barrientos, Romero
  • Diana Libertad Bautista Cortés
  • Lucrecia Boix
  • Florencia Brea
  • Rodrigo Cabrera Aguilera
  • Jonathan Alexander Chaparro Moreno
  • Marcela Andrea Corbetta
  • Leonardo Andrés Cortina Hernández
  • Daniela Dib Peró Silva
  • Carolina Felix Hernandez
  • David Alexis Jainz Aguiñaga
  • Claudia Milena León Arango
  • Genser Steven Moreno Pinzón
  • Daniel Felipe Múnera Gutiérrez
  • Danna Karen Rangel Hernández
  • Hernán Taboada
  • Celeste Valero
  • José Miguel Vecino Muñoz
  • Renata Zaragoza Flores


¡Muchas gracias a todxs los participantes de la convocatoria!

Modalidad

Proyecto Imaginario - Latinoamérica está estructurado en dos bloques de clases que corren en paralelo durante los 17 meses del programa: las clínicas de obra y los talleres y seminarios que buscan apoyar la clínica desde múltiples aspectos y brindar herramientas de autogestión.

Todas las clases del ciclo se darán con el docente en vivo. Los encuentros quedarán grabadas para aquellxs alumnxs que no hayan podido concurrir o deseen volver a verlas.

Se entregarán certificados de asistencia.

El ciclo se cursará los días martes y jueves de 13 a 15h (hora Argentina).



Clínica de obra

Con cada uno de los docentes de clínica los participantes tendrán la oportunidad de revisar en profundidad su trabajo, discutir metodologías, referencias, posibles abordajes para las siguientes etapas del proyecto, opciones de materialización y compartir dudas. Es la actividad más intensa del ciclo y la más enriquecedora para cada autor y para el grupo.

Los docentes a cargo de las clínicas serán Eduardo Stupía, Rosana Simonassi, Santiago Porter, Verónica Fieiras y Cecilia Lutufyan.


Seminarios y talleres

Cada uno de los seminarios y talleres están pensados para fortalecer la reflexión sobre la obra de cada participante y brindar herramientas que permitan autogestionar la producción de cada autor. Los ya confirmados para esta edición son:

La fotografí­a en las prácticas artí­sticas contemporáneas+
Diego Guerra

El propósito del seminario es reflexionar sobre algunos aspectos clave de la fotografía y su lugar en el arte contemporáneo dentro y fuera de la Argentina, a partir de una serie de temas de amplio alcance que se tomarán como ejes conductores. Lejos de tratarse de un curso organizado cronológicamente ni cerrado en torno a una sucesión de movimientos artísticos o biografías de autores, el seminario nos invita a la reflexión crítica en torno a las obras, la apropiación del discurso teórico y la construcción de un punto de vista propio sobre las imágenes y sus circunstancias de producción y circulación.

Curso y discurso+
Gonzalo Golpe

A partir de tres ejes sustentadores: el lenguaje, la poética y la narrativa visual, realizaremos un ejercicio de síntesis personal que tiene como objetivo el cuestionamiento del sistema de la fotografía de autor/a y de sus fundamentos.

A partir del formato libro, carta de presentación y principio de orden de la fotografía contemporánea, pero también el soporte que más capacidad muestra para tensionar el llamado “lenguaje fotográfico”, el docente irá componiendo una suerte de soliloquio a partir de una visión holística que se alimenta tanto de su experiencia profesional como profesor, editor y comisario como de su devenir autoral y de su sistema de creencias y valores.

Editar y publicar+
Eugenia Rodeyro - Magdalena Pardo

Pensar la edición como una fábrica de ideas: Fabricar un libro. Conocer a los actores de un equipo editorial: autor, editor, redactor, traductor, corrector de estilo, retocador, armador, prologuista, productor gráfico, diseñador gráfico. Realizaremos ejercicios individuales y colectivos buscando abordar diversos aspectos de un proyecto editorial. Brindaremos herramientas fundamentales para publicar un libro.

Cronografí­as: El cine desde una mirada fotográfica+
Karin Idelson

Tomando como referencia esta afirmación de Jean-Luc Godard que asegura que el cine es una herencia de la fotografía, proponemos un taller sobre la práctica audiovisual desde una perspectiva fotográfica.

A través de clases teórico-prácticas veremos historias, acercamientos y abordajes posibles de la representación del mundo contemporáneo mediante cámaras de video, rastreando las complicidades entre la fotografía, el video y el cine. También analizaremos obras de cineastas que provienen de la fotografía o cuyos estilos están fuertemente emparentados con la imagen fija.

Pedagogías de la mirada+
Andrea Jösch

El seminario pretende abrir una discusión sobre la relevancia de las imágenes en las formas de comunicación y formación, así como de las prácticas y metodologías de investigación desde la propia creación artística.

Espacios de circulación+
Carolina Rodrí­guez Pino

Este módulo propone herramientas para sistematizar y organizar estrategias de difusión y circulación de obra, según los objetivos de cada artista. El cambio de paradigma en el circuito y campo artístico actual, exige mayor participación y profesionalismo de los artistas, que actúan como los propios gestores culturales de su producción.

Fotografía expandida desde y hacia otros medios y tecnologí­as+
Mariano Ramis

Durante las clases del seminario analizaremos el cruce entre disciplinas, saberes y métodos que en el espacio de creación contemporáneo influyen en la captura y creación de imágenes, y amplían los límites de lo posible. Este contexto transmedial, fascinante y por momentos inabarcable, requiere de una mirada reflexiva que visite la historia de estos cambios y nos permita comprender cuáles son las nuevas herramientas de creación disponibles, basadas en la informática, la virtualidad, la interacción, las redes, etc.

Nuestra tarea no será simple, intentaremos ver qué hacer con esas herramientas y evitar que ellas hagan lo que quieran de nosotrxs.

Sonidos situados+
Julián Teubal

Encuentros que proponen crear una dinámica de laboratorio para la discusión, intercambio y análisis en torno a la escucha, el sonido y las prácticas audiovisuales contemporáneas. La fortaleza del círculo es formar un espacio virtual de reflexión, con numerosas posibilidades de producción de obra y revisión de la misma. Articular conceptos y materiales como forma también de ampliar la percepción. Generar un espacio de intercambio de experiencias propias y/o colectivas, para alentar los distintos estadíos de los procesos creativos de los participantes.

Archivo, memoria y ficción+
Valentina Siniego Benenati

La archivalización y el archivo en primera persona. Exploración de herramientas propias de las ciencias sociales como parte del proceso creativo.

De la fotografí­a a lo performático+
Mariela Sancari

Este taller propone pensar la relación entre fotografía y performance, rastreando su origen en el registro de las primeras obras de artistas del performance, pasando por la noción de acción transformada en objeto, hasta llegar a su desmaterialización.

Haremos un repaso del trabajo de diversos autores que usan la imagen para documentar una acción, así como los que accionan para la cámara. También analizaremos la imagen posible que resulta de esta relación con la performance, intentando pensarla desde su autonomía, potencia y capacidad de desplazamiento; desde ese espacio entre ambas que podemos entender como un campo fecundo de exploración.

Entre pantallas, papeles y paredes. Curaduría y fotografía+
Julieta Pestarino

Un taller dirigido a fotógrafxs que deseen conocer más sobre el trabajo que da forma a una exposición fotográfica y dar a conocer sus proyectos personales.

Visitas de artistas

A lo largo del año recibiremos visitas de destacados curadores y artistas de diversas disciplinas que compartirán con nosotros su obra y sus procesos de producción. En ediciones anteriores nos visitaron Ana Gallardo, Juana Molina, Claudi Carreras, Mariela Sancari, Power Paola, Nicolás Combarro, Rosana Schoijett, Andrea Ostera, Guillermo Ueno, Javiera Pintocanales, José Luis Cuevas, Pablo Lapadula, Esteban Pastorino, Juan Lo Bianco y Matías Giuliani entre otros.

Seguimiento de los proyectos

Durante todo el ciclo, proponemos un seguimiento sobre los trabajos de lxs autorxs. Tanto para sus series fotográficas como para sus proyectos de publicación o exposición. Por ello es que abriremos instancias de trabajo grupales e individuales. Estos encuentros serán coordinados por Juana Ghersa, Martín Estol y María Elena Méndez.

Proyecto Imaginario

Docentes

Eduardo Stupí­a

Eduardo Stupí­a

(Vicente López, provincia de Buenos Aires, 1951)

Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes Manuel Belgrano, de Buenos Aires. Es artista visual y expone local e internacionalmente en muestras grupales e individuales desde 1973. Ejerce la docencia en Artes Visuales desde 1986, y ha actuado como jurado en premios municipales y nacionales, y en festivales cinematográficos. Es autor de numerosas reseñas sobre artistas y exposiciones, asi como de notas sobre estética y políticas del arte publicadas en medios locales e internacionales.

Stupia trabaja con diversos materiales, tales como carbonilla, lápiz, grafito, pastel, óleo y acrílico, y a través de trazos siempre muy particulares, que se caracterizan por la expansión de inconfundibles tramas de líneas negras sobre fondo blanco. Desde 1973 realizó muestras individuales en Lirolay, ArteMúltiple, Ruth Benzacar, Ática, Art House, Del infinito, Jorge Mara-LaRuche, Dan Galería y Galeria Maria Baró ( ambas de San Pablo, Brasil), IVAM ( Instituto Valenciano de Arte Moderno), Rosenfeld – Porcini Gallery (Londres), y Galería Xippas de Arte Contemporáneo en sus sedes de Paris, Montevideo y Punta del Este, entre otras.

En el año 2012 fue invitado a exhibir una muestra individual en la 30ª Bienal de San Pablo. Participa asiduamente en muestras grupales, premios y salones nacionales e internacionales y obtuvo los dos premios más importantes de su país, el GRAN PREMIO DEL SALÓN NACIONAL y el GRAN PREMIO DEL SALON MUNICIPAL MANUEL BELGRANO en la especialidad Dibujo.

Uno de sus trabajos de los años 80 ha sido adquirido por el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MOMA) y expuesto entre noviembre de 2007 y febrero de 2008 en la muestra grupal New Perspectives in Latin American Art 1930 2006 : Selections from a decade of adquisitions. El Perez Art Museum de Miami Beach también acaba de incorporar una de sus piezas más recientes.

Rosana Simonassi

Rosana Simonassi

(Buenos Aires, 1974

A los once va a un taller de cine después de hora y el mismo año actúa en una publicidad de la tele. En paralelo a su escuela secundaria elige estudiar arte y filosofía. A los quince toma su primer curso de foto y arma el laboratorio de revelado en casa de su madre. Le hace fotos a sus amigos mientras termina el bachiller. Se inscribe en la carrera de cine y en 1998 egresa como directora de fotografía. Mientras, pagaba sus cuentas trabajando primero de cadete, luego en un taller de marcos para cuadros y dando clases de luz en escuelas independientes de cine. Se da cuenta que quiere ser artista. Consigue una beca y viaja a New York donde comienza sus investigaciones como artista visual. Con el tiempo logra unir su interés por el pensamiento crítico y la producción artística como pregunta. Su proyecto general, y el propósito de sus prácticas tanto artísticas como teóricas, fue siempre el de indagar sobre el rol de la imagen en la representación de nosotros mismos.

Sus trabajos Afueras, La serie de las mil muertes, Reconstrucción y Blinde Klippe son todas piezas que agrupan diferentes técnicas: toma directa, instalación, video, in situ, performance, nuevas tecnologías, procesos artesanales. Ella se caracteriza por haber usado su propio cuerpo como modelo para corporizar gran parte de su obra.

Entre 1999 y la actualidad expuso de manera ininterrumpida en España, Francia, Canadá, México, Estados Unidos, Uruguay, Inglaterra y Argentina. Editó los libros Mácula sello Arte x Arte BsAs 2022; Reconstrucción Ed. Chaco Madrid. Participó y fue distinguida en los premios Bienal de Fotografía AxA, Klemm, Itaú, Andreani, Aamec, Petrobras, Salón Nac. de Rosario, Museo Castagnino, Salón Nac. de las Artes, entre otros.

Dio charlas y seminarios en NY University Manhattan NYC, Centro de la Imagen C.de México, Pratt Institute BKN NYC, MACBA, UNSAM. Recibió las becas del Centre des Arts et des Fibres du Québec, Beca Oxenford, Ministerio de Cultura Nación, Beca FNA y Conti, Diagonale Galerie Montreal, y contó con el apoyo de cancillería Nación para la realización de sus proyectos fuera del país.

En gestión fue Secretaria de Arte y Cultura del municipio de Morón Bs As y previamente coordinadora de Patrimonio y artes visuales. Como curadora La Forma y la Épica de Verónica Fieiras, Grete Stern de Berlín a Villa Sarmiento Muestra homenaje, y cofundó el proyecto El Oficio del Arte junto a J. Teubal.

En la actualidad coordina sus grupos de estudio sobre filosofía y pensamiento crítico; y es docente adjunta de Arte Contemporáneo en la Universidad de Morón. Escribe reseñas sobre artes visuales y películas. Y de un tiempo a esta parte se dedica a la investigación y práctica en el campo del psicoanálisis.

Vive y trabaja en Buenos Aires.

Cecilia Lutufyan

Cecilia Lutufyan

Nació en Buenos Aires en 1973. Heredó de su abuelo una colección de libros de arte y una lupa. No fueron muy cercanos y sin embargo, sus objetos presagiaron dos de sus territorios predilectos: el arte y la investigación (como procedimiento).

Se formó en artes visuales, inicialmente en fotografía, y actualmente explora diferentes desvíos que le den a las cosas la chance de una existencia nueva. Desarrolla – o más bien compone – piezas que reúnen elementos visuales con investigaciones sonoras.

Creó Túneles de tu mente, un método desarrollado para artistas con la idea de acompañar y profundizar sus procesos de autoconocimiento.

Cursó la Diplomatura en Música Expandida en la UNSAM y ganó una beca para cursar el Master PhotoEspaña, Teorías y Proyectos artísticos en Madrid. Se graduó en Ciencias de la Comunicación en la Universidad de Buenos Aires. Obtuvo las Becas Creación y Formación del Fondo Nacional de las Artes. Fue finalista del premio de Artes Visuales 8M, del VIII Premio Itaú de Artes Visuales, del Salón Nacional de Artes Visuales de Junín, del 5to y 4to Premio AAMEC de Fotografía Contemporánea Argentina. Fue premiada con adquisición de obra en los Encuentros de Arte Contemporáneo, Alicante, España. Su fotolibro Criaturas fue premiado con el Premio Publicación en el marco de la Bienal de Fotografía de Lima.

Vive en Salta.

Santiago Porter

Santiago Porter

(Buenos Aires, 1971).

Su obra, exhibida en muestras individuales y colectivas en la Argentina y en el exterior, forma parte de numerosas colecciones, tanto públicas como privadas. En 2002 recibió la beca Guggenheim y fue también becado por la Fundación Antorchas de Buenos Aires. En 2007 fue becado para participar del programa Intercampos III en la Fundación Telefónica de Buenos Aires y obtuvo el Primer Premio de fotografía de la Sociedad Central de Arquitectos de Buenos Aires. En 2008 obtuvo el premio Petrobras-Buenos Aires Photo. En 2010 le fue otorgada la Beca Nacional del Fondo Nacional de las Artes y en 2011 fue seleccionado para participar del Programa de Artistas de la Universidad Di Tella. Es autor de los libros Piezas, publicado en 2003, La Ausencia, publicado en 2007 y Bruma, pronto a ser publicado en 2017. Actualmente es Profesor en el Departamento de Ciencias Sociales de la Universidad de San Andrés. Vive y trabaja en Buenos Aires.

Diego Guerra

Diego Guerra

(Buenos Aires, 1976)

Es historiador del arte, Doctor en Historia y Teoría de las Artes por la UBA y en Español por la Université Rennes 2 (Francia). Su tesis doctoral estudió el retrato fotográfico post-mortem en la Argentina entre fines del siglo XIX y comienzos del XX. Actualmente investiga los vínculos entre la fotografía, el arte y la industria cultural y trabaja en la puesta en valor del archivo del fotógrafo Boleslaw Senderowicz. Es coautor de los libros Boleslaw Senderowicz, fotógrafo (Vasari, 2019) y Haluros del Sur (CIFHA, 2019) y ha colaborado en diversas publicaciones colectivas sobre teoría e historia de la fotografía. Es docente de la UBA, la Universidad de San Andrés y la Universidad de Palermo y dirige el Programa de Estudios sobre Fotografía y Artes Visuales, radicado en el Centro de Investigación en Arte, Materia y Cultura de la Universidad Nacional de Tres de Febrero. Participa como docente en el programa Proyecto Imaginario desde 2016.

Gonzalo Golpe

Gonzalo Golpe

(Madrid, 1975)

Editor independiente y profesor.

Licenciado en Filología Hispánica y diplomado en Edición y Publicación de Textos por la Universidad de Deusto. Especialista en autoedición y producción gráfica.

Desde 2014 forma parte de La Troupe, un colectivo de profesionales de las artes gráficas dedicado al trabajo de autor, tanto en su vertiente editorial como expositiva.

Su labor como editor ha sido distinguida en dos ocasiones con el Premio Nacional a la Mejor Edición de Libro de Arte por Ramdon Series de Miguel Ángel Tornero, RM, 2014 y Révélations. Iconographie de la Salpêtrière. Paris, 1875-1918 de Javier Viver, RM, 2015. También cabría destacar el premio Aperture ParisPhoto Photobook Award con “Karma” de Óscar Monzón, RVB Books+Dalpine, 2103, libro en el que colaboró como coordinador de producción.

Mariela Sancari

Mariela Sancari

(Buenos Aires, 1976)

Vive y trabaja en la Ciudad de México desde 1997.

Su trabajo gira en torno a la identidad, la memoria y la veracidad y la ficción en las imágenes. Examina las relaciones personales, la delgada y esquiva línea que separa los recuerdos de la ficción y el tenue valor de la imagen como documento real o afectivo. Utiliza narrativas personales para explorar los límites del alcance de la fotografía como medio de representación. Su obra refiere tanto la dimensión afectiva –aunque no sentimental– del trabajo autobiográfico, así como exploraciones formales del medio, a través de cuestionamientos relacionados a la puesta en escena, la autorreferencialidad en la práctica fotográfica y sus mecanismos de significación.

Ha recibido numerosos reconocimientos: Ganadora de la VI Bienal Nacional de Artes Visuales Yucatán 2013 y del Premio Descubrimientos PHotoEspaña 2014. Su trabajo fue seleccionado en la XVI Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen y recibió Mención Honorífica en la XI Bienal Monterrey FEMSA, con su serie Moisés, entre otros.

Su primer libro Moisés fue seleccionado por varios curadores y especialistas como Sean OHagan, Tim Clark, Erik Kessels, Jörg Colberg, Larissa Leclair, Yumi Goto and Colin Pantall como uno de los mejores fotolibros del 2015. En 2017 publicó su segundo libro en colaboración con el escritor Adolfo Córdova: Mr. & Dr., un fotolibro dirigido a niños y jóvenes que explora la noción de lo desconocido a través de imágenes y texto. Es coordinadora de FOLIO, programa en torno al fotolibro del Centro de la Imagen.

Ha participado en numerosas exposiciones individuales y colectivas en la Ciudad de México y en el extranjero en ciudades como Nueva York, Madrid, Barcelona, Buenos Aires, Ciudad de Guatemala, Sao Paulo, Fort Collins, Houston, Busan (Corea) y Cork (Irlanda).

Andrea Jösch

Andrea Jösch

Directora de la Escuela de Arte de la Universidad Diego Portales UDP (2022-), Magíster en Gestión Cultural por la Universidad de Chile (2014). Fundadora y editora a cargo de Sueño de la Razón, revista de fotografía sudamericana (2009-) y miembro de la Fundación SudFotográfica (2016-), que entre otros proyectos realizó la investigación y publicación Una revisión al fotolibro chileno (2019). Fue editora a cargo de la revista académica Diagrama (2017-2021) y dirigió el Magíster en Investigación-Creación de la Imagen (2015-2021), ambos de la Facultad de Artes de la Universidad Finis Terrae, entre otras actividades académicas tanto en gestión e investigación en diversas instituciones de Educación Superior. En los últimos 25 años se ha dedicado a la docencia universitaria e informal, realizando un sinnúmero de talleres y participado de Coloquios, Bienales y Encuentros en Latinoamérica, además de realizar diversos proyectos de edición y curatoriales en torno a la fotografía, las imágenes y el arte contemporáneo. Algunos de esos proyectos recientes son: curatoría del Festival de Fotografía Contemporánea de Montevideo MUFF, Centro de Fotografía de Montevideo CdF (2020-2022); curatorías comunitarias para FOCCO-Coquimbo (Luis Weinstein 2018, Marcelo Montealegre 2019, Inés Paulino 2020, Andrés Durán 2022); Monumento Editado: Chile, Perú́, Bolivia, Argentina de Andrés Durán, Museo Nacional de Bellas Artes (2019); Enfermedades Preciosas de Cecilia Avendaño, Sala de Arte CCU (2019); Caprichos: imágenes rebeldes de Mauricio Toro Goya, MNBA (2016); CABALLERO SOLO de Marcelo Montecino en Corpartes (2016), entre otros. Ha editado libros o escrito textos para diversas publicaciones de artistas como Mauricio Toro Goya; Pepe Guzman; Celeste Rojas Mujica; Xavier Rivas; Rodrigo Opazo; Marcelo Montecino, Cecilia Avendaño, Nelson Garrido, RES, Gabriela Rivera Lucero, Andrés Figueroa, Nicolás Sáez, entre otros.

Verónica Fieiras

Verónica Fieiras

(Buenos Aires)

Es editora freelance, trabajadora visual, hacedora cultural, acompañante de procesos creativos, directora de Escuela Migra, miembro del colectivo Migra Feria de Arte Impreso y editora fundadora de las editoriales RIOT BOOKS y CHACO.

Su labor editorial fue premiada con el “Paris Photo-Aperture Foundation PhotoBook Award” (You Haven’t seen their faces, Daniel Mayrit, Riot Books, 2013), con el “Premio al Mejor Fotolibro” en Guatephoto Festival (The Dissapeared, Verónica Fieiras, Riot Books, 2015), “Primer premio al mejor fotolibro” en coloquio Latinoamericano de Fotografía, México(Fin del Mundo, Nicolás Janowski, CHACO, 2017) y distinguida en: “Les rencontres de la photographie Arles, author book award” (Soft Touch, CHACO, 2016 y You Haven’t Seen Their Faces, 2015), “Best book of the year Fotobookfestival Kassel, (The Disappeared, 2014).

Varios de los libros que editó y diseñó se expusieron en lugares como: Centro de Cultura Contemporánea de Barcelona, Biblioteca Nacional de España, Círculo de Bellas Artes de Madrid, Daegu Photo Biennale, The Museum of Fine Arts de Houston y MOMA de New York, entre otros y fueron adquiridos en colecciones públicas y privadas tales como: Martin Parr, Gerry Badger, Erik Kessels, Joan Fontcuberta, MOMA, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Centro de la Imagen de México, entre otras.

Reside en Buenos Aires desde el 2019 tras veinte años en Madrid.

Karin Idelson

Karin Idelson

(Buenos Aires, 1978). Fotógrafa y cineasta. Estudió la carrera de Ciencias de la Comunicación (UBA). En paralelo comenzó sus estudios de fotografía, dirección de fotografía en cine (SICA - TEBA) y lenguaje visual con referentes de la teoría y artistas nacionales y extranjeros (Gabriel Valansi, Alberto Goldenstein, Piroska Csúri, Alejandro Castellote, entre otrxs). Su obra fotográfica forma parte de la colección permanente del Museo de Arte Latinoamericano de Bs As, Museo de Arte Moderno de Bs As, del Museo Emilio Caraffa y de distintas colecciones privadas. Dirigió el documental “Canción de amor” que compitió en BAFICI y fue exhibido en el Festival International de Cinéma de Marsella, Festival Internacional de Cine de Valdivia, entre otros. Además de su actividad como artista, desde hace más de 15 años se dedica a la docencia de forma pública y privada. Actualmente es profesora adjunta en la Universidad de Buenos Aires y Universidad de San Martín donde enseña iluminación y cámara, y lenguaje audiovisual.

Eugenia Rodeyro

Eugenia Rodeyro

Estudió Administración de Empresas en la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad de Buenos Aires (UBA). Allí dictó clases de marketing y fue asistente del reconocido licenciado Alberto Levy. Realizó el posgrado de Clusters Organizacionales en la Facultad de Psicología (UBA); el posgrado de Formación Docente Continua en la Facultad de Ciencias Económicas (UBA); y el curso de posgrado Transformación Organizacional en escenarios de alta complejidad (Lo estratégico y lo psicosocial).

Desde el 2003 formó parte del equipo de gestión de Espacio Ecléctico Asociación Civil, una ONG conformada en un espacio de artes que constituye un punto de albergue y difusión de producciones de artistas del medio local (Buenos Aires), nacional (Argentina) e internacional en el campo de las Artes Plásticas, Escénicas y Dramaturgia, entre otros. AllÍ desarrollo su expertise como fundraiser y en el campo de la gestión cultural realizó producciones internacionales, intercambios artísticos con instituciones pares, festivales, publicaciones periódicas y co-producciones. Entre ellas, durante 13 años fue la productora ejecutiva de la Feria de Libros de Fotos de Autor, un evento que, año tras año, reúne a los fotógrafos más destacados de la ciudad e invita a participar de la feria a proyectos internacionales vinculados con la fotografía.

Es Directora Editorial y co-fundadora de La Luminosa, la primera editorial en Argentina que produce libros de fotografía en cuidadas ediciones numeradas y firmadas adecuadas a la demanda de cada título. La Luminosa se ha especializado en publicaciones de alto valor artístico, atendiendo a las producciones más recientes de fotógrafos consagrados y emergentes.

Magdalena Pardo

Magdalena Pardo

(Buenos Aires, 1982)

Egresada de la carrera Diseño de Imagen y Sonido de la UBA y mágister en guión de cine en la Universidad Autónoma de Barcelona. Realizó cortometrajes que participaron en festivales nacionales e internacionales como el Festival Internacional de Mar del Plata, y dirigió un largometraje declarado de interés cultural de la ciudad de Mar del Plata. Asistió a talleres de fotografía dictados por Guillermo Ueno, Alberto Goldestein, Julieta Escardó, Julie Weisz y Palmer Davis en el ICP de Nueva York. Su trabajo fotográfico fue publicado en varios libros y sitios de divulgación artística argentinos y del exterior. Participó de la 8va Feria de Fotolibros de Autor con un libro destacado y de diversas exposiciones colectivas, entre ellas: "Espacios Íntimos" en Casa Florida, Vicente López; "Todavía lo mismo y siempre lo mismo" en Galería Yapeyú, Bs.As; "Before all else" Urban Picnic Gallery, Essex, Reino Unido; "30 under 30" Women Photographers en Photoboite.com; "Agua Viva" en el museo Quinquela Martín, Casa Thays, y la Casona de los Olivera; BAPhoto 2014 Centro Cultural Recoleta.

Durante más de diez años trabajó como diseñadora para agencias de comunicación y prensa argentinas y durante tres años fue la encargada del área de diseño de un estudio londinense. Realizó trabajos tanto para marcas de primera línea como para proyectos de artistas y particulares.

Actualmente transita las distintas disciplinas que pertenecen al lenguaje de la imagen, combinando lo visual con lo narrativo, la poesía y el ensayo filosófico.

Mariano Ramis

Mariano Ramis

(San Pedro, Buenos Aires, 1979)

Graduado de la carrera de Diseño de Imagen y Sonido FADU/UBA, preparando actualmente su tesis en la Maestría en Diseño Interactivo. Investigador del Instituto de Arte Americano FADU/UBA, en el proyecto "Apuntes sobre los orígenes y el desarrollo de las narrativas audiovisuales no lineales y de la cultura de códigos abiertos"

Coordinador de proyectoidis.org.

Profesor en las carreras de Diseño Gráfico y Diseño de Imagen y Sonido, en las materias Medio Expresivos, Técnicas Audiovisuales y Proyecto Audiovisual todas en FADU/UBA.

Profesor Invitado por la Friedrich-Schiller-Universität en la materia Film studies, Jena, Alemania.

Profesor invitado del Centro de Estudios Audiovisuales (CAS) dentro de la (FAMU) Filmová a Televizní Fakulta Akademie Múzických Umění Praga, República Checa.

Como artista visual se dedica a la experimentación sobre el registro de la imagen en movimiento. Ha exhibido sus trabajos en festivales, museos y salones en Argentina, América y Europa.

Julián  Teubal

Julián Teubal

(Buenos Aires, 1974) es artista visual, compositor y docente. Vivió gran parte de su infancia en Ciudad de México y volvió a la Argentina en 1984, con el regreso de la democracia. Entre 2001 y 2010 vivió en Praga, República Checa. Desde 1998 compone música original para teatro, danza y circo. También ha compuesto música original para cine y televisión. Lleva editado 10 discos de estudio y dirige el grupo La Sonámbula, ensamble instrumental que combina además de música, proyecciones y fotografía. Su obra, ecléctica y heterogénea, incluye fotocollage, dibujo, super 8 experimental, maquetas, escultura, diseño gráfico, cine, video y performance. Coordina desde hace varios años el ciclo de música Suena Washington (desarrollada en una antigua casa en el barrio de Coghlan), ha organizado numerosos ciclos de proyecciones alternativas (Plan 10) y coordina junto a Rosana Simonassi y Hernán Vilchez la plataforma El Oficio del Arte, destinada a la difusión y promoción de artistas y procesos. Colabora desde hace varios años con Javier Cura en sus workshops de contact Two Week on The Wild Side en la ciudad de Bechyně (Rep. Checa), improvisando en el piano para los participantes. Su práctica docente surge más que nada como una extensión de su propia experiencia multidisciplinaria y colaborativa. Es egresado de la carrera de Artes por la Facultad de Filosofía y Letras (UBA). Ha dictado cursos y talleres de Intervención en Arte y Fotografía en la Fundación Walter Benjamin, en el Programa TURMA, en el Instituto Universitario Nacional de Artes (IUNA), en la Universidad Complutense de Madrid, en la Universidad de San Martín (UNSAM) y en el Instituto de Investigaciones Gino Germani (UBA). Entre 2015 y 2016 formó parte del proyecto ENROQUE, dando clases de arte en la villa 1-11-14. Dicha experiencia quedó plasmada en la segunda edición de “Arte y Territorio” (Centro Cultural de la Memoria Haroldo Conti). Es profesor invitado en los seminarios de doctorado “Problemáticas del Arte Contemporáneo” y “Sociología del Arte” dictados por los investigadores Alicia Romero y Marcelo Gimenez, en la Universidad Nacional de las Artes (UNA). En 2016-17 crea junto a Pablo Gershanik la maqueta performática “80 Balas sobre el Ala” que narra el asesinato de Mario Gershanik en La Plata (1975), e indaga desde una perspectiva más amplia las relaciones entre trauma, arte y resiliencia. Dicho proyecto fue desarrollado en una residencia artística en el C.C.M. Haroldo Conti ( “Esto no es una muestra”) y luego repuesto en el 2019 en el 104 (París) y en la Cité Internationale des Arts. Actualmente vive y trabaja en Buenos Aires.

 

Julieta Pestarino

Julieta Pestarino

trabaja en torno a la investigación y curaduría de fotografía argentina y latinoamericana. Es Técnica en Realización Fotográfica (IMDAFTA), Licenciada en Ciencias Antropológicas (UBA), Magister en Curaduría en Artes Visuales (UNTREF) y Doctora en Historia y Teoría de las Artes (UBA). Entre 2015 y 2021 fue becaria doctoral CONICET y trabajó en el CEDODAL. Realizó estancias de investigación y formación en instituciones de Brasil, Ecuador, República Checa, España, Italia, Estados Unidos y Alemania. Desde 2015 es miembro del Grupo de Estudios en Fotografía Contemporánea, Arte y Política (FoCo) del Instituto Gino Germani. En 2023 su tesis de doctorado fue publicada bajo el título "Prácticas modernas. Fotografía y grupalidad en La Carpeta de los Diez" por Fundación ArtexArte. Fue Graduate Intern 2021-2022 en el Departamento de Curaduría (Arte Latinoamericano) en Getty Research Institute, Los Ángeles, y actualmente vive en Berlín, en donde es Associate Scholar en el programa 4A_Lab del Kunsthistorisches Institut in Florenz - Max Plank.

Carolina Rodrí­guez Pino

Carolina Rodrí­guez Pino

Licenciada en Historia del Arte (Universidad Internacional SEK, Chile), con estudios de Postgrado en Gestión y Políticas Culturales (FLACSO, Argentina), una Maestría © en Sociología de la Cultura y Análisis Cultural (IDAES-USAM) y un postgrado en Industrias Culturales en la Convergencia Digital (UNTREF).

Ha trabajado en diversos espacios dedicados a la cultura y al arte contemporáneo, tanto en Chile como en Argentina en las áreas de coordinación, gestión y producción de proyectos culturales.

En Argentina, lugar donde reside hace 13 años, ha ejercido cargos de coordinación de proyectos y creación de contenidos artísticos y culturales de impacto provincial.

Ha diseñado programas para la creación de nuevas audiencias, así como trabajado en propuestas de financiamiento, a través de la realización de programas para la captación de fondos, por medio de acuerdos y convenios de patrocinio.

Sus intereses están puestos en el desarrollo, formación, ejecución y evaluación de iniciativas culturales y artísticas, lograr arlos en el ámbito internacional y visibilizarlos como parte indispensable de la cadena de valor de un país.

Valentina Siniego Benenati

Valentina Siniego Benenati

Diseñó y dirigió el programa académico de Casa Coyoacán, Fundación Pedro Meyer. Participó como artista y curadora en diferentes exposiciones colectivas e individuales en México y Argentina. Trabajó en ARTICLE19 oficina para México y Centroamérica en el Programa de Libertad de Expresión, donde coordinó el Programa de capacitación para periodistas en zonas de riesgo. Realizó. Es directora y coguionista del documental interactivo Estado de censura. Fue parte del Colectivo PISO16. Es docente y coordinadora en la plataforma Proyecto Imaginario.

Proyecto Imaginario

Becas

Beca Argentina

Se otorgará una beca completa que cubra el total del costo de cursada del programa a un artista residente en Argentina.

Beca México

Se otorgará una beca completa que cubra el total del costo de cursada del programa a un artista residente en México.

Beca Latinoamérica

Se otorgará una beca completa que cubra el total del costo de cursada del programa a un artista residente en un país Latinoamericano (exceptuando Argentina y México).

Convocatoria cerrada.



Bases para aplicar al programa

Quiénes pueden aplicar

Esta convocatoria está dirigida a fotógrafxs y artistas visuales de cualquier edad, nacionalidad y lugar de residencia. Es importante aclarar que las clases serán dictadas en español.

Material a presentar

Lxs autorxs deberán presentar un único archivo PDF en baja resolución con el siguiente material:

  • Hasta 20 imágenes de un proyecto fotográfico con el cual quiera trabajar a lo largo del ciclo de formación, o un grupo de hasta 20 imágenes que muestren su producción en el caso de que no esté desarrollando actualmente un proyecto.
  • Una síntesis conceptual del proyecto presentado o del grupo de imágenes que presenta que no exceda los 1200 caracteres.
  • Biografía que no exceda los 1200 caracteres.
  • Carta de intención comentando por qué desea participar del programa y cuáles son sus expectativas.
  • Si lo cree necesario otros proyectos, o cualquier otro material, a los fines de facilitar la evaluación de la presente aplicación

Recepción del material

La convocatoria se encuentra cerrada.

Sobre la selección de los participantes

La función del jurado será seleccionar, entre los aplicantes, el cupo limitado de participantes para esta edición del programa. La selección será publicada en la web (www.proyectoimaginario.com.ar) y en las redes sociales y los autores seleccionados serán informados por correo electrónico el día lunes 29 de julio de 2024.

Fechas importantes

Apertura de la convocatoria: jueves 6 de junio de 2023.

La convocatoria se encuentra cerrada.

Comunicación de resultados de la convocatoria: lunes 29 de julio de 2024.

Inicio de clases: martes 6 de agosto de 2024.

Modalidad

El ciclo tiene una duración total de 17 meses entre agosto de 2024 y diciembre de 2025.

Las clases serán dictadas online, con el docente en vivo. Todas las clases quedarán grabadas para aquellos alumnos que no hayan podido concurrir o deseen volver a verlas.

El ciclo se cursará los días martes y jueves de 13 a 15h (hora Argentina).

Arancel

El ciclo 2024-2025 tiene un costo de 17 cuotas mensuales consecutivas de $ARS 75.000 para participantes residentes en Argentina y de USD 120 para residentes en otros países. Existe la posibilidad de realizar un único pago obteniendo un porcentaje de descuento.

El arancel para residentes en Argentina puede sufrir ajustes una vez comenzado el programa.

Condiciones de aceptación

Lxs artistas seleccionadxs en esta convocatoria se comprometen a confirmar su asistencia en un plazo menor a los 5 días hábiles desde que se le notifica su selección. La confirmación de la vacante se efectivizará mediante el pago de la primera cuota.

Lxs artistas seleccionadxs se comprometen a completar el ciclo de formación participando en todos los talleres y seminarios.

Consultas

Ante cualquier consulta escribir a convocatoria@proyectoimaginario.com.ar.






Bases para aplicar a una beca

Quiénes pueden aplicar a las becas

Pueden aplicar a las becas artistas de cualquier nacionalidad con al menos 2 años de residencia en América Latina.

En qué consiste la beca

La beca cubre el total del costo de participación en el ciclo.

Lxs artistas becadxs no recibirán dinero sino que tendrán derecho a cursar el programa sin pagar el arancel de participación.

Lxs artistas becadxs se comprometen a completar el ciclo de formación participando en todos los talleres y seminarios.

Material a presentar

Lxs autorxs que aspiren a una beca deberán presentar un único archivo PDF en baja resolución con el siguiente material:

  • Hasta 20 imágenes de un proyecto fotográfico con el cual quiera trabajar a lo largo del ciclo de formación, o un grupo de hasta 20 imágenes que muestren su producción en el caso de que no esté desarrollando actualmente un proyecto.
  • Una síntesis conceptual del proyecto presentado o del grupo de imágenes que presenta que no exceda los 1200 caracteres.
  • Biografía que no exceda los 1200 caracteres.
  • Carta de intención comentando por qué desea realizar el programa de Artes visuales / Fotografía de Proyecto Imaginario y cuáles son sus expectativas.
  • Otros proyectos desarrollados a los fines de facilitar la evaluación de la aplicación a la beca.
  • Carta de solicitud de beca indicando claramente los motivos por los que aplica a la beca.

Recepción del material

La convocatoria se encuentra cerrada.

Sobre la selección de los participantes

Un jurado compuesto por docentes de Proyecto Imaginario seleccionará, entre lxs aplicantes, a lxs beneficiarixs de la beca para esta edición del programa. Esta selección será publicada en la web y redes de Proyecto Imaginario y lxs artistas seleccionadxs serán informados por correo electrónico.

Fechas importantes

Apertura de la convocatoria: jueves 6 de junio de 2023.

Cierre de la convocatoria: domingo 21 de julio de 2024 - CONVOCATORIA EXTENDIDA .

Comunicación de resultados de la convocatoria: lunes 29 de julio de 2024.

Inicio de clases: martes 6 de agosto de 2024.

Consultas

Ante cualquier consulta escribir a convocatoria@proyectoimaginario.com.ar.






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